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우리가 흔히 아는 모던한 웹 코딩(Flexbox, Grid)은 이메일에서 작동하지 않습니다. 안 깨지는 서명을 만들려면 2000년대 초반에나 쓰던 구시대적인 'HTML 표(Table)' 코딩과 인라인 CSS를 써야만 하죠. 디자이너가 이 복잡한 코드의 늪에서 시간을 낭비할 수는 없습니다.
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기존의 작업 방식
이걸 웹에 이미지로 띄우려면,
구글 드라이브 공유 링크를 복사한다.
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20세기 중반, 수전 손택(Susan Sontag)은 그녀의 기념비적인 에세이 『해석에 반대한다(Against Interpretation)』(1964)를 통해 서구 지성사를 지배해 온 ‘내용(content)’ 중심의 예술관에 대해 전면적인 전쟁을 선포했다. 그녀는 해석이라는 행위가 예술 작품의 감각적 즉물성을 파괴하고, 그것을 지적 범주로 환원시키려는 "지성의 복수"라고 규정했다.1 반세기 이상이 지난 지금, 2020년대의 대한민국 서울이라는 고밀도 도시 환경 속에서 활동하는 젊은 건축가들의 작업은 손택의 이러한 외침이 여전히, 아니 오히려 더욱 강력한 유효성을 지니고 있음을 증명하고 있다. 특히 '하이퍼스팬드럴(Hyper-spandrel)'이라는 도발적인 명칭으로 대변되는 일련의 건축적 경향은, 건축을 무거운 이데올로기나 심오한 철학적 텍스트로 읽어내려는 기존의 '해석학적' 관습을 거부하고, 건축의 표면(surface)과 외피(skin), 그리고 그 속에 내재된 '스타일' 자체를 옹호하는 급진적인 태도를 취한다.
본 보고서는 수전 손택의 두 가지 핵심 텍스트인 『해석에 반대한다』와 『캠프에 관한 단상(Notes on "Camp")』을 이론적 렌즈로 삼아, 전재우(DCA/이디디에이)를 필두로 한 한국의 '포스트-크리티컬(Post-critical)' 건축 담론을 심층적으로 분석한다. 우리는 여기서 건축이 어떻게 '의미'의 무거운 짐을 벗어던지고, '꾸며낸 실재(Fabulated Reality)'로서의 가벼움과 위트, 그리고 '캠프(Camp)'적 감수성을 획득하게 되었는지를 추적할 것이다. 이는 단순히 하나의 건축 양식을 분석하는 것을 넘어, 현대 사회가 물질과 이미지를 소비하는 방식, 그리고 그 속에서 예술(건축)이 생존하고 저항하는 방식에 대한 근본적인 고찰이다.
1.2 하이퍼스팬드럴: 잔여물의 격상
'하이퍼스팬드럴'은 현대 상업 건축, 특히 커튼월(Curtain Wall) 시스템에서 구조체와 창호 사이를 메우는 비내력 패널인 '스팬드럴(Spandrel)'을 건축적 표현의 주연으로 격상시키려는 시도를 의미한다.3 전통적인 모더니즘 건축에서 스팬드럴은 가능한 한 숨겨지거나, 유리의 투명성을 가장하여 연속적인 매끄러움을 연출하기 위한 부차적인 요소였다. 그러나 전재우와 같은 건축가들은 이 '숨겨진 틈'을 과장하고, 장식하고, 비틀어냄으로써 건축의 표면을 하나의 거대한 수사학적 장치로 변모시킨다.
이러한 태도는 손택이 『캠프에 관한 단상』에서 정의한 "부자연스러운 것에 대한 사랑", "기교와 과장"4과 정확히 맞닿아 있다. 하이퍼스팬드럴은 건물의 기능이나 구조적 진실을 드러내는 '정직한' 건축이 아니라, 상업적 외피라는 가면을 쓰고 그 가면의 인위성을 극대화하여 즐기는 '캠프적' 건축이다. 본 연구는 이러한 건축적 실천이 단순한 형태 유희가 아니라, 자본주의적 도시 환경의 모순을 '이중 코드(Double Code)'를 통해 돌파하려는 고도의 지적 전략임을 논증할 것이다.
분석 차원
수전 손택의 미학 (1960s)
한국 현대 건축 담론 (2020s)
핵심 텍스트
『해석에 반대한다』, 『캠프에 관한 단상』
『건축은 꾸며낸 실재』, '그들의 이중코드'
거부 대상
해석학, 내용 중심주의, 도덕적 엄숙주의
비평적 건축(Critical Architecture), 이데올로기, 진정성
지향점
예술의 에로틱스, 투명성, 감각적 경험
하이퍼스팬드럴, 수사학(Rhetoric), 표면의 유희
태도
진지함의 실패, 인위성 옹호 (Camp)
쿨한 수행(Cool Performance), 시스템의 수용과 풍자
2. 수전 손택의 미학적 전회: 해석학에서 에로틱스로
2.1 해석이라는 이름의 폭력: 미메시스 이론의 해체
손택의 미학적 혁명은 서구 예술론의 기저에 깔린 '미메시스(mimesis, 모방)' 이론에 대한 근본적인 회의에서 출발한다. 플라톤과 아리스토텔레스 이래 예술은 현실의 모방으로 간주되었으며, 이로 인해 예술 작품은 언제나 '형식(form)'과 '내용(content)'으로 분리되어 인식되었다.2 손택에 따르면, 이러한 이분법은 필연적으로 "내용이 본질적이고 형식은 부수적"이라는 인식을 낳았고, 이는 해석가가 작품의 외피(형식)를 벗겨내고 그 안에 숨겨진 '진짜 의미'(내용)를 채굴해야 한다는 강박을 만들어냈다.
손택은 『해석에 반대한다』에서 "해석은 지식인이 예술에 가하는 복수"라고 일갈한다.1 그녀가 말하는 해석은 작품을 있는 그대로 경험하는 것이 아니라, "X는 사실 A를 의미한다"라고 번역하는 환원주의적 행위다. 이는 프로이트적 해석(모든 것을 성적 상징으로 환원)이나 마르크스주의적 해석(모든 것을 사회적 투쟁으로 환원)에서 극명하게 드러난다. 손택은 이러한 해석이 현대 문화의 감각적 과잉 속에서 우리의 신경을 무디게 하고, 예술이 가진 즉물적이고 마술적인 힘을 거세한다고 비판한다.6
건축적 맥락에서 이는 1970-80년대 피터 아이젠만(Peter Eisenman)이나 케네스 프램튼(Kenneth Frampton)이 주도한 '비평적 건축(Critical Architecture)'에 대한 비판적 독해를 가능하게 한다. 비평적 건축은 건물을 통해 건축의 문법을 해체하거나 자본주의에 저항하는 텍스트로서의 건축을 지향했다.8 그러나 손택의 관점에서 볼 때, 건물을 텍스트로 읽으려는 시도는 건물의 물리적 실재성, 즉 콘크리트의 차가움이나 유리의 반짝임을 '의미'의 하위 범주로 전락시키는 오류를 범하는 것이다.
2.2 예술의 에로틱스: 감각의 회복과 투명성
"해석학 대신 우리에게 필요한 것은 예술의 에로틱스다(In place of a hermeneutics we need an erotics of art)."1 손택의 이 유명한 결구는 단순히 지성을 거부하고 본능에 탐닉하라는 쾌락주의적 선언이 아니다. 그녀가 말하는 '에로틱스'는 작품의 형식적 요소들이 뿜어내는 강렬함에 온전히 자신을 내맡기는 '감각의 예리함'을 의미한다.
손택은 비평의 목표가 "작품이 무엇을 의미하는가가 아니라, 작품이 어떻게 그 자체가 되는지, 심지어 그것이 그 자체라는 사실을 보여주는 것"이어야 한다고 주장한다.9 여기서 핵심 개념은 **'투명성(Transparence)'**이다. 투명성은 사물의 반짝임을 있는 그대로 경험하는 것, 즉 사물 자체의 광휘를 목격하는 것이다.1
이러한 '에로틱스'의 개념은 후술할 하이퍼스팬드럴 건축가들이 건물의 표면을 다루는 방식과 밀접하게 연관된다. 전재우가 『건축은 꾸며낸 실재』에서 주장하듯, 현대 건축은 더 이상 거창한 '아이디어'를 강변할 것이 아니라, 우리에게 즉각적인 감각적 충격을 주는 '형식'과 '수사'에 집중해야 한다는 논리는 손택의 에로틱스론(論)의 현대적 변주라 할 수 있다. 그들은 건물의 외피를 뚫고 들어가 구조적 진실을 찾으려 하지 않는다. 대신 외피 그 자체의 질감, 색채, 그리고 그것이 도시와 맺는 시각적 관계에 집중하며, 그 표면의 유희 속에서 건축의 새로운 존재 방식을 모색한다.
2.3 캠프(Camp): 인위성과 스타일의 승리
『해석에 반대한다』가 '무엇을 하지 말아야 하는가'에 대한 부정의 미학이라면, 같은 해 발표된 『캠프에 관한 단상』은 '무엇을 어떻게 즐길 것인가'에 대한 긍정의 미학을 제시한다. 손택은 58개의 단상을 통해 '캠프'라는 난해한 감수성을 정의하며, 이를 "세상을 미적 현상으로 보는 하나의 방식"으로 규정한다.4
캠프의 핵심은 다음과 같은 요소들로 요약될 수 있다:
인위성에 대한 사랑: 캠프는 자연스러운 것보다 기교, 과장, 장식을 선호한다. 그것은 "역할을 연기하는 존재(Being-as-Playing-a-Role)"에 대한 긍정이다.4
진지함의 실패: 순수한 캠프는 진지하려고 노력했으나 과도한 열정으로 인해 실패한 것들(예: 아르누보 램프, 1920년대 플래퍼 드레스)에서 발견된다.12
내용에 대한 스타일의 승리: 캠프는 도덕적 판단을 유보하고, 대상의 '스타일' 자체를 향유한다. 이는 비극보다는 아이러니를, 내용보다는 형식을 우위에 두는 태도다.11
따옴표 안의 세상: 캠프는 사물을 "건물"이 아니라 "'건물'"로 본다. 즉, 대상을 있는 그대로의 실체로 보는 것이 아니라, 어떤 역할을 수행하고 있는 연극적 대상으로 인식한다.13
하이퍼스팬드럴은 현대 건축에서 가장 강력한 캠프적 제스처 중 하나다. 전재우와 DCA의 작업에서 스팬드럴은 단순히 층간을 가리는 기능적 부재가 아니다. 그것은 과장되고, 확대되고, 때로는 엉뚱한 재료로 치장되어 건축의 전면에 나선다. 이는 상업 건물의 전형성을 그대로 따르는 척하면서(Code 1), 동시에 그 전형성을 과도하게 연기함으로써 비틀어버리는(Code 2) 캠프적 전략이다.
3. 탈비평적 전회(Post-critical Turn)와 한국 건축의 수용
손택의 미학이 1960년대 뉴욕의 예술계를 뒤흔들었다면, 2000년대 초반 미국 건축계를 강타한 것은 '포스트-크리티컬(Post-critical)' 담론이었다. 이 담론의 흐름을 이해하는 것은 손택의 이론이 어떻게 2020년대 한국의 하이퍼스팬드럴과 연결되는지를 파악하는 핵심 고리다.
3.1 비평적 건축의 교착 상태
1980-90년대 건축 이론의 주류는 피터 아이젠만과 K. 마이클 헤이즈(K. Michael Hays)로 대표되는 '비평적 건축'이었다. 이들은 건축이 자본주의 문화 산업에 포섭되지 않기 위해 끊임없이 '저항'해야 한다고 믿었다. 비평적 건축은 형태를 통해 사회적 모순을 드러내거나, 기존의 건축 문법을 해체하는 '어려운(hot)' 건축을 지향했다.8
그러나 2000년대에 들어서면서, 로버트 소몰(Robert Somol)과 사라 와이팅(Sarah Whiting)은 이러한 비평적 태도가 일종의 교착 상태에 빠졌다고 진단했다. 비평적 건축은 '저항'이라는 명분 아래 건축의 가능성을 스스로 제한하고, 대중과의 소통을 단절시킨 채 학문적 게토(ghetto) 안에 고립되었다는 것이다.
3.2 도플러 효과: 쿨(Cool), 대기(Atmosphere), 투사(Projective)
소몰과 와이팅은 그들의 기념비적 에세이 『도플러 효과와 모더니즘의 다른 분위기들(Notes around the Doppler Effect and Other Moods of Modernism)』(2002)에서 '비평적(Critical)' 건축 대신 '투사적(Projective)' 건축을 제안한다.15 이들이 제안하는 새로운 건축의 특성은 다음과 같다:
Hot vs. Cool: 뜨거운 논쟁과 변증법적 저항 대신, '쿨'하고 무심하며 유연한 태도를 지향한다. 이는 맥루한이 말한 '쿨 미디어'이자, 손택이 언급한 '새로운 감수성'과 직결된다.17
Indexical vs. Atmospheric: 건축이 무언가를 지시하거나 상징하는 기호(index)가 되는 대신, 특정한 분위기(atmosphere)나 효과를 만들어내는 수행적 장치가 되어야 한다.17
저항 대신 서핑(Surfing): 자본주의 시스템에 정면으로 맞서기보다, 그 시스템의 힘을 이용하여 새로운 현실을 '투사'하고 기획하는 실용주의적 태도를 취한다.
흥미로운 점은 소몰과 와이팅이 자신들의 논지를 전개하기 위해 수전 손택을 직접적으로 인용한다는 사실이다. 그들은 손택이 『해석에 반대한다』에서 주장한 "해석학 대신 에로틱스"를 "비평 대신 투사"로 치환하며, 건축이 도덕적 판단(비평)보다는 미적 취향(taste)과 감각(sensibility)을 통해 작동해야 함을 역설한다.19 이는 손택이 "취향은 모든 자유로운 인간 반응을 지배한다"고 말한 것과 일맥상통하며, 건축가들에게 '비평적 의무감'에서 벗어나 '미적 자유'를 허락하는 이론적 근거가 되었다.
3.3 한국적 맥락: 이데올로기 과잉에 대한 반작용
이러한 포스트-크리티컬 담론은 2010년대 후반부터 한국의 젊은 건축가들에게 강력한 영향을 미치기 시작했다. 한국 건축계는 오랫동안 김수근 시대로부터 이어져 온 '한국성' 담론이나, 4.3 그룹(승효상, 배형민 등)이 주도한 '빈자의 미학'과 같은 윤리적, 이데올로기적 무게감에 눌려 있었다.3
전재우를 포함한 1980년대생 건축가들은 이러한 '엄숙주의'에 반기를 들었다. 이들은 서구(주로 미국 동부)에서 유학하며 포스트-크리티컬 담론을 체화했고, 한국으로 돌아와 마주한 것은 고도로 상업화된 도시 서울의 '혼종적' 현실이었다. 이들에게 '건축적 진실'이나 '도덕적 저항'은 공허한 구호처럼 느껴졌다. 대신 그들은 서울의 빌라, 상가, 커튼월 오피스 등 '저속한' 도시 풍경을 있는 그대로 받아들이고, 그 속에서 자신들만의 유희적인 '수사학'을 펼치기로 결심했다. 이것이 바로 하이퍼스팬드럴이 탄생하게 된 한국적 토양이다.
4. 하이퍼스팬드럴: 꾸며낸 실재로서의 건축
4.1 이론적 토대: 『건축은 꾸며낸 실재』
하이퍼스팬드럴 담론의 이론적 구심점은 강예린(SoA)이 저술하고 박해천 등이 비평적으로 논의한 책 『건축, 전(全) - 꾸며낸 실재(Architecture as Fabulated Reality)』(2020)에 있다.3 이 책은 건축이 더 이상 사회를 구원하는 도구나 거대 담론의 실천장이 아니라, 건축가 개인이 구축한 논리적 서사, 즉 '우화(fable)'로서 존재해야 한다고 주장한다.
전재우는 이 개념을 적극적으로 받아들인다. 그는 현대 한국 사회에서 건축물은 100년을 가는 기념비가 아니라, 30년 정도 소비되고 사라지는 '소비재'이자 '서비스'임을 인정한다.20 이러한 '가벼운' 현실 속에서 건축가가 할 수 있는 일은, 그 현실을 부정하는 것이 아니라, 현실의 재료들을 재조합하여 그럴듯하고 매혹적인 '거짓말(fiction)'을 만들어내는 것이다. 여기서 '꾸며낸 실재'는 손택이 말한 '인위성'과 '스타일'이 지배하는 세계와 완벽하게 겹쳐진다.
4.2 이중 코드(Double Code)와 이방인의 시선
전재우와 DCA의 작업을 관통하는 핵심 전략은 **'이중 코드(Double Code)'**다.3 찰스 젱크스가 포스트모더니즘을 정의하며 사용했던 이 용어는, 하이퍼스팬드럴 문맥에서 다음과 같이 재정의된다.
시스템의 논리 (The Dry Code): 자본주의적 건축 생산 시스템의 규칙을 철저히 따른다. 용적률을 최대화하고, 값싼 재료(알루미늄 패널, 페인트)를 사용하며, 시공의 효율성을 추구한다. 이는 비평적 건축가들이 거부하려 했던 '진부한 현실'이다.
수사학적 비틀기 (The Wet Code): 바로 그 시스템의 요소를 사용하여 시스템 자체를 조롱하거나 미학적으로 승화시킨다. 스팬드럴을 과장하여 장식으로 만들거나, 싸구려 재료로 고전 건축의 패턴을 흉내 낸다. 이는 손택적 의미의 '캠프'이자 '위트'다.
전재우는 자신을 "캐나다인" 혹은 "이방인"으로 정체화하며, 이러한 위치가 한국의 도시 풍경을 낯설게 보고(defamiliarization), 그 속에서 이중 코드를 작동시킬 수 있는 원동력이라고 설명한다.3 이방인에게 서울의 무질서한 간판과 조악한 마감재는 불쾌한 것이 아니라 흥미로운 '텍스처'이자 '소스'가 된다.
4.3 프로젝트 분석 I: 신사 스팬드럴 (Sinsa Spandrel) - 과장의 수사학
DCA(이정우, 이동훈, 박성준)가 설계한 '신사 스팬드럴'(2024)은 하이퍼스팬드럴 개념을 물질화한 대표작이다.3 강남구 신사동의 상업 지구에 위치한 이 건물은 전형적인 임대 오피스의 프로그램을 가지고 있다. 보통의 건축가라면 통유리 커튼월을 사용하여 스팬드럴(층간 벽)을 숨기려 했을 것이다. 모더니즘의 미학에서 스팬드럴은 구조적 순수성을 해치는 '불순물'이기 때문이다.
그러나 DCA는 정반대의 전략을 취한다. 그들은 스팬드럴 부분을 과도하게 강조하고, 부풀리고, 장식한다.
재료와 디테일: 알루미늄 패널이나 복합 패널을 사용하여 스팬드럴의 두께감을 과시한다. 이는 기능적으로는 불필요한 행위지만, 미학적으로는 건물의 표면에 강력한 리듬과 표정을 부여한다.
캠프적 해석: 손택은 "캠프는 '스타일'을 내용보다 우선시하는 태도"라고 했다.11 신사 스팬드럴에서 '스팬드럴'이라는 기능적 요소는 자신의 본분을 잊고, 건물의 주인공인 양 행세한다. 이는 건물의 구성 요소가 연극적 배역을 맡아 과장된 연기를 하는 것과 같다. 전재우는 이를 두고 "스팬드럴의 매너리즘" 혹은 "허구적 수사"라고 평한다.3
물리적 흔적: 이 프로젝트는 매끈한 완결성을 지향하지 않는다. 시공 과정의 흔적이나 재료의 물성을 그대로 노출시키는데, 이는 '진정성'을 위해서가 아니라, 그 거친 질감 자체가 주는 시각적 쾌락을 위해서다.
4.4 프로젝트 분석 II: 광운 인테리어 (Indiscrete Kwangwoon) - 잔여물의 미학
전재우(이디디에이)의 '광운 인테리어'(2024)는 기존 건물의 '잔여물(residue)'을 다루는 방식에서 하이퍼스팬드럴의 또 다른 측면을 보여준다.3
무의미한 것들의 보존: 리모델링 프로젝트인 이곳에서 전재우는 기존 공간에 남아 있던 낡은 배관, 뜯겨진 벽지, 정체불명의 구조물들을 철거하지 않고 그대로 둔다. 중요한 점은 이들이 역사적 가치가 있어서 보존하는 것이 아니라는 점이다. 그것들은 그저 "무의미한 잔여물"이다.
발렌시아가적 키치(Kitsch): 전재우는 이 전략을 패션 브랜드 발렌시아가(Balenciaga)의 '어글리 슈즈'나 '이케아 가방' 차용에 비유한다.3 명품 브랜드가 싸구려 디자인을 차용하여 고급 문화의 허위를 드러내고 새로운 미적 충격을 주듯, 건축가는 철거되어야 마땅한 '쓰레기'들을 디자인 요소로 격상시킨다.
가짜의 진정성: 그는 바르셀로나 파빌리온의 대리석 패턴을 페인트로 그려 넣는 시도를 감행한다.20 이는 모더니즘 건축의 성소(Mies van der Rohe)를 키치적인 방식으로 모독하는 동시에 오마주하는 전형적인 캠프적 제스처다. "진짜 대리석"을 쓸 수 없는 예산의 한계를 숨기지 않고, 오히려 "가짜 대리석"임을 뻔뻔하게 드러냄으로써(실패한 진지함), 물성 물신주의에 빠진 현대 건축을 조롱한다.
5. 비교 분석: 현상학, 매너리즘, 그리고 하이퍼스팬드럴
하이퍼스팬드럴의 이론적 위치를 더욱 명확히 하기 위해, 유사하면서도 대립적인 다른 건축 이론들과의 비교가 필요하다.
5.1 손택의 에로틱스 vs. 건축 현상학 (Architectural Phenomenology)
손택의 "예술의 에로틱스"와 유하니 팔라스마(Juhani Pallasmaa)나 페터 춤토르(Peter Zumthor)의 "건축 현상학"은 모두 '감각적 경험'을 중시한다는 공통점이 있다. 그러나 그 지향점은 정반대다.
비교 항목
건축 현상학 (Pallasmaa/Zumthor)
손택의 에로틱스 / 하이퍼스팬드럴
핵심 가치
진정성(Authenticity), 본질(Essence)
인위성(Artifice), 스타일(Style)
감각의 성격
체화된(Embodied), 원초적, 촉각적
시각적, 지적, 표면적
재료관
재료의 정직성 (돌은 돌다워야 함)
재료의 기만성 (페인트로 그린 돌)
분위기
침묵, 엄숙함, 성스러움
수다스러움, 위트, 쿨함
목표
존재의 근원적 의미 회복
의미로부터의 해방, 감각적 유희
팔라스마는 『피부의 눈(The Eyes of the Skin)』에서 시각 중심주의를 비판하고 촉각과 신체적 공명을 강조하며, 이를 통해 인간 소외를 극복하려 한다.21 반면, 손택과 하이퍼스팬드럴 건축가들은 시각적 표면의 화려함을 긍정한다. 전재우가 바르셀로나 파빌리온의 패턴을 '이미지'로 차용한 것은, 현상학적 관점에서는 '가짜'이자 '기만'이지만, 손택의 관점에서는 고도의 지적 유희이자 세련된 에로틱스다. 하이퍼스팬드럴은 '깊이' 있는 공간을 만들어 우리를 위로하려 하지 않는다. 대신 '얇은' 표면을 통해 우리를 자극하고 매혹시킨다.
5.2 현대적 매너리즘으로서의 캠프
하이퍼스팬드럴 담론에서 자주 등장하는 또 다른 키워드는 '매너리즘'이다. 손택은 캠프의 기원을 18세기 매너리즘의 "기교에 대한 예찬"에서 찾는다.4 건축사적으로 매너리즘은 르네상스의 완벽한 비례와 조화를 의도적으로 깨뜨리고, 불안정하고 기괴한 형태를 추구했던 시기다.
규칙의 파괴: 미켈란젤로가 라우렌치아나 도서관의 계단을 기괴하게 늘어뜨렸듯이, DCA는 신사동 건물의 스팬드럴을 비정상적으로 강조한다. 이는 커튼월 시스템이라는 현대의 고전적 규칙을 알고 있기에 가능한 파격이다.
긴장의 미학: 매너리즘이 고전주의의 조화 대신 긴장감을 추구했듯, 하이퍼스팬드럴은 상업 건축의 뻔한 논리 위에 이질적인 요소를 삽입하여 시각적 긴장을 유발한다. "세련되면서도 거친(sophisticated yet rough)"3이라는 평가는 바로 이 매너리즘적 특성을 지적한 것이다.
5.3 포스트-크리티컬의 진화: 투사에서 꾸며냄으로
소몰과 와이팅의 '투사적 건축'이 다이어그램과 프로그램의 조직화에 집중했다면, 한국의 하이퍼스팬드럴은 그보다 더 **물질적이고 구상적(figurative)**이다. 그들은 다이어그램을 그리는 대신, 실제 재료(알루미늄, 페인트, 유리)를 가지고 논다. 이는 포스트-크리티컬 담론이 추상적인 논의에서 벗어나, 구체적인 구축의 현장으로 내려왔음을 의미한다. 그들은 자본주의의 파도 위에서 서핑을 하는 것을 넘어, 그 파도의 물거품(spandrel)을 조형하여 자신들만의 성(castle)을 쌓고 있다.
6. 결론: 초(Hyper)의 시대, 생존을 위한 스타일
한국 현대 건축의 최전선에서 벌어지고 있는 '하이퍼스팬드럴' 현상은 수전 손택이 60년 전 예견했던 미학적 태도가 21세기의 극동 아시아 도시에서 어떻게 물질화될 수 있는지를 보여주는 흥미로운 사례다.
첫째, 표면의 승리다. 하이퍼스팬드럴은 건축이 더 이상 심오한 철학적 텍스트가 될 필요가 없음을 선언한다. 대신 그것은 도시의 표면을 구성하는 감각적 오브제로서 기능하며, 해석학적 깊이 대신 에로틱한 표면을 제공한다. 이는 손택이 염원했던 "사물 자체의 광휘"를 건축적으로 구현하려는 시도다.
둘째, 캠프적 생존 전략이다. 30년이면 철거되는 건물을 지으면서 '영원성'을 논하는 것은 위선이다. 전재우와 그의 동료들은 이 허무한 현실을 직시하고, 오히려 그 찰나의 가벼움을 '캠프'라는 스타일로 승화시킨다. 그들은 상업 건축이라는 역할을 연기하지만, 그 연기가 너무나 과장되고 능숙해서 관객(도시인)으로 하여금 그 건물을 다시 쳐다보게 만든다.
셋째, 이중 코드의 가능성이다. 하이퍼스팬드럴은 자본에 종속되지도, 그렇다고 고고하게 저항하지도 않는다. 그들은 자본의 언어(커튼월, 저렴한 재료)를 사용하되, 그것을 시적으로(rhetorically) 구사함으로써 자본의 논리 내부에 자신들만의 자율적 영토를 구축한다. 이것이 바로 '꾸며낸 실재'의 힘이다.
결론적으로, 수전 손택의 『해석에 반대한다』와 『캠프에 관한 단상』은 단순히 과거의 텍스트가 아니라, 지금 여기의 건축을 읽어내는 가장 예리한 도구다. 하이퍼스팬드럴은 우리에게 묻지 않는다. "이 건물의 의미는 무엇입니까?" 대신 그들은 윙크하며 속삭인다. "이 건물의 표정이 얼마나 매혹적인지 보십시오. 그것이 가짜라 할지라도." 해석의 시대가 저물고, 매혹과 수사의 시대가, 즉 '하이퍼'의 시대가 도래한 것이다.
부록: 참고 문헌 및 데이터 포인트
본 보고서에 인용된 주요 개념과 사실들은 제공된 리서치 스니펫을 바탕으로 재구성되었습니다.
한국 현대건축은 현재 기묘한 역설의 시공간을 부유하고 있다. 한편으로는 건축을 둘러싼 담론과 이론, 사회학적 서사, 그리고 법규와 제도의 언어 등 '텍스트(Text)'의 영역이 그 어느 때보다 비대하게 팽창해 있다. 그러나 다른 한편으로는 물질적 실체로서의 건축, 재료의 물성, 구축의 논리, 그리고 시공의 정교함이라 할 수 있는 '텍스처(Texture)'의 영역은 급격히 빈곤해지거나 표피적인 이미지로 전락하고 있다. 본 리포트는 이러한 현상을 **'텍스트의 과잉(Textual Excess)'과 '텍스처의 부재(Textural Absence)'**라는 대립적 구도를 통해 진단한다.
우리는 건물이 지어지기도 전에 개념으로 소비되고, 완공된 후에는 공간적 체험이 아닌 인스타그램의 사각 프레임 속 이미지로만 유통되는 시대를 목격하고 있다. 이는 단순한 현상이 아니라, 한국 사회의 압축적 근대화 과정에서 배태된 구조적 병리이다. '빨리빨리'로 대변되는 속도의 경제는 깊이 있는 구축의 시간을 허락하지 않았고, 건축가는 그 구축적 결핍을 메우기 위해 과도한 개념과 서사를 동원해왔다.
본 연구는 배형민이 제기한 한국 건축의 구조적 문제점들1과 임석재가 비판한 이미지 과잉 및 베끼기 관행2을 내부적 진단의 틀로 삼고, 이에 대한 이론적·실천적 대안으로 길 레신(Gilles Retsin)의 '이산적 건축(Discrete Architecture)' 담론3을 접목하여 분석한다. 나아가 『공간(SPACE)』 지에서 제기된 '침묵의 밀도'와 '구축적 책임'이라는 화두8를 통해, 과잉된 텍스트를 걷어내고 건축의 본질적 텍스처를 회복하기 위한 방법론을 모색하고자 한다.
2. 텍스트의 과잉: 한국 현대건축의 병리적 징후
'텍스트의 과잉'은 단순히 말이 많다는 의미가 아니다. 이는 건축물의 물리적 실체보다 그것을 설명하는 말, 그것을 규정하는 법, 그것을 포장하는 이미지가 우위를 점하는 전도된 위계 질서를 의미한다.
2.1 개념의 조기 소진과 서사의 과잉 (Concept Burnout & Narrative Excess)
배형민은 한국 건축의 비평적 쟁점으로 '개념의 조기 소진'과 '서사의 과잉'을 지적한다.1 이는 한국 건축계가 서구의 이론적 트렌드를 수용하고 소비하는 방식과 밀접하게 연관되어 있다.
한국의 건축 시장과 아카데미는 새로운 담론을 진득하게 체화하여 구축적 실험으로 연결하기보다는, 하나의 유행으로 소비하고 폐기하는 경향이 강하다. 1990년대의 해체주의, 2000년대의 다이어그램 건축, 최근의 도시 재생 및 커뮤니티 담론에 이르기까지, '개념'은 건축의 뼈대를 만드는 원리가 아니라 외피를 포장하는 '텍스트'로 소비되었다. 건축가는 척박한 시공 환경과 낮은 설계비라는 현실을 타개하기 위해, 건물 자체의 완성도(Texture)보다는 그 건물이 가지는 사회적 의미나 철학적 배경(Text)을 과장하여 설득하는 전략을 취하게 된다. 그 결과, 물리적 실체는 빈약한데 설명은 거창한 '서사의 비만' 상태가 초래된다.
2.2 제도의 속도와 윤리의 자동화 (Institutional Speed & Automated Ethics)
'제도의 속도'는 텍스처의 부재를 가속화하는 핵심 기제다.1 한국의 도시 개발은 자본의 회전 속도와 정치적 임기에 맞춰 진행된다. 충분한 설계 기간과 시공 기간이 보장되지 않는 상황에서, 건축가가 깊이 있는 재료의 물성을 탐구하거나 새로운 디테일을 개발하는 것은 불가능에 가깝다.
이러한 속도전 속에서 건축가는 '윤리의 자동화'라는 텍스트적 도피처를 찾는다. '친환경', '지속가능성', '공공성'과 같은 윤리적 가치들은 실제 건축물의 성능이나 공간의 질로 구현되기보다는, 인허가를 위한 체크리스트나 공모전 당선을 위한 수사적 텍스트로 기능한다. 건물의 단열 성능은 형편없지만 '친환경 인증' 마크는 획득하고, 실제로는 사용되지 않는 옥상 정원을 만들어 '녹색 건축'이라 명명하는 식이다. 이는 윤리가 텍스처(실천)가 아닌 텍스트(선언)로만 존재하는 위선적 상황을 낳는다.
임석재는 한국 현대건축의 '이미지 과잉'과 '베끼기' 문제를 강도 높게 비판한다.2 이는 서구 건축의 표면적 스타일을 텍스트처럼 읽고 베끼되, 그 스타일을 가능하게 한 기술적·구축적 배경은 소거해버리는 현상을 말한다.
배형민이 지적한 '동시대성의 오해' 역시 이와 맥락을 같이한다.1 한국 건축가들은 서구의 최신 트렌드를 실시간으로 모방함으로써 동시대성을 획득했다고 착각하지만, 그것은 이미지의 동시성일 뿐 구축의 동시성은 아니다. 노출 콘크리트를 예로 들면, 안도 타다오의 콘크리트가 가진 장인적 물성(Texture)은 생략한 채, 그 회색의 미감(Image/Text)만을 거푸집 자국을 흉내 낸 페인트로 재현하는 식이다. 여기서 건축은 실체가 없는 기호, 즉 텍스트로 전락하며 존재론적 위기를 맞이한다.
비평적 쟁점 (배형민/임석재)
현상적 징후 (텍스트의 과잉)
결과적 병리 (텍스처의 부재)
개념의 조기 소진
유행하는 이론의 피상적 차용과 급격한 폐기
재료와 구축에 대한 진지한 탐구(R&D)의 실종
제도의 속도
법규와 인허가, 수익성 분석이라는 숫자의 지배
속도를 맞추기 위한 관습적 시공(습식)과 저급한 마감
서사의 과잉
건축물 자체보다 과장된 스토리텔링이 우선시됨
물리적 공간의 빈곤함을 현란한 언어로 은폐
동시대성의 오해
서구 건축의 '이미지'와 '스타일' 복제
구축 논리가 결여된 무대 세트와 같은 파사드 양산
윤리의 자동화
친환경, 공공성 등의 가치가 텍스트(인증)로만 존재
실제적 성능이나 사용자의 거주성과 괴리된 윤리
3. 텍스처의 부재: 매끈함(Smoothness)의 폭력과 습식의 관성
'텍스처의 부재'는 단순히 표면이 매끈하다는 뜻이 아니다. 그것은 '구축적 책임(Constructive Responsibility)'의 방기이자, 재료와 재료가 만나는 '접합(Joint)'의 실종을 의미한다.8
3.1 습식 공법과 모놀리스(Monolith)의 환영
한국 건축, 특히 주거와 일반 상업 건축을 지배하는 철근콘크리트(RC) 구조는 본질적으로 '비정형'적이고 '연속적'인 재료다. 콘크리트는 거푸집이라는 틀(Text)이 없으면 형태를 갖지 못하는 슬러지(Slurry) 상태의 물질이다. 이러한 습식 공법은 노동 집약적이며, 현장의 숙련도에 따라 품질이 좌우된다.
문제는 이 콘크리트 덩어리가 마감재(석재, 패널, 벽돌 타일 등)로 덮이면서 발생한다. 마감재는 구조적 역할을 하지 않는 단순한 '외피'이자 '이미지'로 전락한다. 구조(뼈)와 마감(피부)이 완전히 분리된 상태에서, 재료가 힘을 받고 전달하는 구축의 논리는 사라진다. 우리는 건물이 어떻게 서 있는지 직관적으로 이해할 수 없는, 매끈하게 포장된 덩어리(Monolith)만을 보게 된다. 이는 '침묵의 밀도'가 결여된, 텅 빈 강변과도 같다.8
3.2 디지털의 오용: 연속성의 신화
길 레신(Gilles Retsin)은 초기 디지털 건축이 추구했던 '매끈함(Smoothness)'과 '연속성(Continuity)'을 비판한다.6 자하 하디드(Zaha Hadid)나 그렉 린(Greg Lynn)으로 대표되는 파라메트릭 디자인은 컴퓨터를 이용해 끊김 없는 곡면을 만들어내는 데 집중했다.
레신의 관점에서 이러한 '연속적 표면'은 텍스트의 과잉이 낳은 또 다른 형태다. 컴퓨터 화면 속의 매끈한 스플라인(Spline) 곡선은 실제 건설 현장에서는 엄청난 비용과 비효율을 초래하며, 결국 콘크리트를 붓거나 값비싼 금형을 떠서 만들어야 하는 '아날로그적' 방식으로 회귀한다.6 여기서 디지털은 구축의 도구가 아니라, 비현실적인 이미지를 생성하는 텍스트 생성기로 전락한다. 한국의 동대문디자인플라자(DDP)가 겪었던 시공상의 난맥상과 막대한 비용 역시 이러한 '디지털 텍스트'와 '물리적 텍스처' 사이의 괴리에서 기인한다.
4. 이론적 개입: 이산적 건축(Discrete Architecture)과 텍스처의 복원
이러한 텍스트 과잉과 텍스처 부재의 이분법을 극복하기 위해, 길 레신의 '이산적 건축' 담론은 강력한 이론적 도구를 제공한다. 레신은 디지털의 본질이 '연속성'이 아니라 '이산성(Discreteness)'에 있다고 주장한다.5
4.1 부분에서 전체로 (Part-to-Whole): 텍스처로서의 데이터
이산적 건축은 건축물을 무한히 해상도를 높일 수 있는 연속된 표면이 아니라, 레고 블록이나 픽셀처럼 명확히 구분되는 '단위 요소(Parts)'들의 집합으로 본다. "디지털 데이터와 같이 확장 가능하고 접근 가능하며 다재다능한 조각들"에 기반한 구축 논리다.5
텍스트(전체)의 해체: 기존 건축이 '개념(전체)'을 먼저 설정하고 그것을 구현하기 위해 부재를 끼워 맞췄다면, 이산적 건축은 '부재(부분)'의 결합 규칙(Syntax)을 통해 전체 형상을 생성한다.
텍스처의 귀환: 여기서 텍스처는 장식이 아니다. 수만 개의 목재 조각이나 디지털 블록이 결합된 패턴 자체가 구조이자 마감이며, 동시에 미학이 된다. 뼈와 피부의 구분이 사라지며, 건축물은 그 자체로 정직한 구축의 텍스처를 드러낸다.
4.2 디지털 재료와 민주적 구축 (Digital Materials & Democratic Construction)
레신은 합판(Timber sheet)과 같은 표준화된 재료를 CNC 머신으로 가공하여 '디지털 재료(Digital Materials)'로 변환할 것을 제안한다.3 이는 한국의 건축 상황에 시사하는 바가 크다.
자동화와 노동: 한국의 건설 현장은 숙련공의 고령화와 인력 부족에 시달리고 있다. 레신이 제안하는 자동화된 목구조 조립 방식은 현장 노동 의존도를 낮추고, 정밀한 공장 제작을 통해 고품질의 텍스처를 보장한다.
주거의 민주화: "주택 건설을 위한 개방적이고 분산된 플랫폼"3이라는 레신의 비전은, 소수의 대형 건설사가 독점하는 한국의 아파트 공급 구조에 대안이 될 수 있다. 누구나 다운로드 가능한 데이터를 기반으로, 지역의 작은 공방(Fab Lab)에서 부재를 깎아 조립하는 방식은 건축의 생산 주체를 다변화하고 '구축적 책임'을 분산시킨다.
비교 항목
연속적 건축 (Continuous/Textual)
이산적 건축 (Discrete/Textural)
기본 단위
표면 (Surface), 매스 (Mass)
부재 (Part), 비트 (Bit)
구축 논리
전체에서 부분으로 (Top-down)
부분에서 전체로 (Bottom-up)
주요 재료
콘크리트, 복합패널 (습식/성형)
공학목재, 디지털 블록 (건식/조립)
디지털의 역할
이미지 생성, 복잡한 형태 묘사
조립 로직 연산, 제작 자동화
미학적 특성
매끈함, 추상성, 은폐된 접합부
거침(Pixelated), 구축성, 드러난 접합부
한국적 맥락
아파트, 상가주택의 획일적 마감
모듈러 주택, 탈현장건설(OSC)의 가능성
5. 텍스처의 회복을 위한 제언: 침묵의 밀도를 향하여
한국 현대건축이 텍스트의 늪에서 빠져나와 텍스처의 실재성을 회복하기 위해서는 다음과 같은 실천적 전환이 요구된다.
5.1 서사에서 구문으로 (From Narrative to Syntax)
건축가는 건물을 설명하는 소설가(Narrator)가 되기를 멈추고, 재료를 조직하는 프로그래머(Syntactician)가 되어야 한다. 건물의 가치는 "이 공간은 비움의 철학을 담았다"는 텍스트가 아니라, "이 목재 접합부는 인장력을 견디며 30분 내화 성능을 갖는다"는 텍스처의 사실성에서 나와야 한다. 이는 『공간』지가 언급한 '침묵의 밀도'를 회복하는 길이다.8 말이 없는 건축, 오직 물질의 결합 방식만으로 웅변하는 건축이 필요하다.
5.2 습식에서 건식/이산적으로의 전환
'제도의 속도'를 이기는 유일한 방법은 속도 자체를 텍스처의 일부로 만드는 것이다. 현장에서 쫓기듯 붓는 콘크리트 대신, 공장에서 정밀하게 가공된 이산적 부재(Discrete Parts)를 현장에서 조립하는 방식으로의 전환이 시급하다. 이는 단순히 공법의 변화가 아니라, 건축의 해상도(Resolution)를 높이는 행위다. 고해상도의 건축은 이미지로 소비될 때보다 직접 체험될 때 그 진가를 발휘한다.
5.3 재료의 진정성과 베끼기의 재정의
임석재의 비판처럼 남의 형태를 베끼는 것은 표절이지만, 레신의 관점에서 남의 '시스템'을 공유하는 것은 오픈 소스(Open Source)다.3 한국 건축계는 스타일을 베끼는 관행을 버리고, 데이터를 공유하고 개선하는 플랫폼적 사고를 받아들여야 한다. "어떻게 보이느냐(Look)"가 아니라 "어떻게 조립되느냐(How to assemble)"로 질문을 전환할 때, 비로소 한국 건축은 서구의 아류라는 혐의를 벗고 독자적인 구축 문화를 형성할 수 있을 것이다.
6. 결론: 실재(The Real)의 복수
'텍스트의 과잉과 텍스처의 부재'는 한국 현대건축이 앓고 있는 신경증적 증상이다. 우리는 실체 없는 개념을 팔기 위해 너무 많은 말을 해왔고, 척박한 현실을 가리기 위해 너무 매끈한 이미지를 만들어왔다. 배형민이 지적한 개념의 소진과 제도의 압박, 임석재가 비판한 이미지의 허상은 모두 건축이 땅에 발을 딛지 못하고 텍스트의 공중을 부유했기 때문에 발생했다.
이제 필요한 것은 '실재(The Real)'의 복수다. 길 레신이 주창한 이산적 건축은 디지털 기술을 통해 가장 원초적인 구축의 행위(쌓기, 맞추기, 엮기)를 현대적으로 복원할 수 있음을 보여준다. 건축가가 다시금 '만드는 자(Maker)'로서의 위상을 회복하고, 재료 하나하나의 물성과 접합의 논리에 천착할 때, 비로소 한국 건축은 과잉된 언어의 거품을 걷어내고 묵직한 존재의 질감을 드러낼 수 있을 것이다. 텍스트는 사라져도, 텍스처는 남는다.
주요 참고 문헌 및 출처 표기
2 : 임석재, 한국 현대건축의 이미지 과잉과 존재론적 위기 비평.
3 : Gilles Retsin, Discrete Architecture, Digital Materials, and Criticism of the Surface.
1 : 배형민, 한국 현대건축 비평의 5가지 쟁점 (개념의 소진, 제도의 속도, 서사의 과잉 등).
건축은 근본적으로 공간 안에서 물질을 조직하는 행위이며, 이 조직을 지배하는 논리는 단순한 구조적 필요성을 넘어선다. 기둥과 보, 창과 벽, 건물과 도시 사이의 관계를 규정하는 규칙은 역사적으로 결코 물리적인 차원에 머무르지 않았으며, 본질적으로 비례적(Proportional)이었다. 시각적 비례는 구축된 환경의 물리적 실체와 인간이 갈망하는 형이상학적 질서, 아름다움, 의미 사이를 연결하는 인식론적 가교이다. 이것은 건축가가 인간이라는 소우주(Microcosm)를 보편적 대우주(Macrocosm)와 일치시키기 위해 역사적으로 사용해 온 수학적 구문론(Syntax)이다.
비례에 대한 연구는 단순히 황금비(Golden Ratio)나 피보나치 수열과 같은 기하학적 선호도의 목록을 작성하는 것이 아니다. 이는 관계적 시스템(Relational Systems)을 통해 건축이 어떻게 의미를 생성하는지에 대한 심층적인 탐구이다. '불멸의 신'을 인간의 신체로 거울처럼 비추려 했던 비트루비우스(Vitruvius)의 고정된 인체 측정학적 대칭(Symmetry)에서부터, 바로크와 모더니즘의 역동적인 지각적 장(Field), 그리고 프랙탈 자기유사성(Self-similarity)과 이산적 조립(Discrete Assembly)으로 정의되는 현대의 컴퓨터 연산 디자인에 이르기까지, 비례의 개념은 정적인 절대 명령에서 동적인 변수(Variable)로 진화해 왔다.
본 연구 보고서는 건축에서 시각적 비례의 설정(Setting), 유도(Derivation), 그리고 사용 방식(Usage)에 대해 석사 논문 수준의 깊이 있는 분석을 제공한다. 이를 위해 본고는 네 가지의 상호 연결된 인식론적 시대를 횡단한다. 첫째, 고전주의와 르네상스 이론의 절대적 조화에 기반한 형이상학적(Metaphysical) 시대이다. 둘째, 물질적 표준화와 지각적 모호성 사이의 긴장으로 특징지어지는 모더니즘(Modernist) 시대이다. 셋째, 게슈탈트 심리학과 관찰자의 능동적 역할을 강조하는 지각 심리학적(Psychological) 시대이다. 마지막으로, 프랙탈 스케일링과 이산적 부분(Part)의 논리로 정의되는 연산적(Computational) 시대이다.
이 분석은 시각적 비례가 단순한 미적 장식이 아니라 건축적 사고의 일차적인 "규제 선(Regulating Line)"임을 전제로 한다. 또한, 현대의 "이산 건축(Discrete Architecture)"과 프랙탈 기하학으로의 전환이 비례를 포기하는 것이 아니라, 이상적인 비율을 위에서 아래로(Top-down) 부과하는 방식에서 가변적인 관계가 아래에서 위로(Bottom-up) 창발하는 방식으로 비례를 재정의하고 있음을 논증한다. 이는 고정되고 중앙 집중화된 코스모스에 대한 믿음에서 복잡하고 탈중앙화된 시스템에 대한 이해로의 광범위한 문화적 이동을 반영한다.
2. 형이상학적 토대: 인체측정학(Anthropometry)과 화성적 절대성
서구 건축 비례의 역사는 "건물은 신체와 같다"는 근본적인 명제에서 시작된다. 고대인들에게 이러한 의인화(Anthropomorphism)는 은유가 아니었으며, 우주적 질서를 돌(Stone)로 번역하는 리터럴(Literal)한 과정이었다. 아름다움은 주관적인 감상이 아니라 객관적이고 계산 가능하며, 천체의 움직임과 유기적 생명을 지배하는 동일한 법칙에서 파생된 것으로 간주되었다.
2.1 비트루비우스와 불멸의 신들의 대칭(Symmetria)
기원전 1세기, 로마의 건축가 마르쿠스 비트루비우스 폴리오(Marcus Vitruvius Pollio)는 그의 저서 『건축십서(De Architectura)』를 통해 건축 비례의 토대를 확립했다. 비트루비우스에게 신전의 설계는 **대칭(Symmetry)**에 의존하는 것이었는데, 그가 정의한 대칭은 현대적 용법과는 사뭇 다르다. 비트루비우스적 어휘에서 대칭은 "작품 자체의 세부 사항에서 발생하는 적절한 조화이자, 전체 디자인의 형태에 대한 각 세부 요소 간의 대응"이다.1 이러한 대응 관계는 그리스어로 아날로지아(Analogia), 즉 비례(Proportion)로 명명되었다.
2.1.1 인체 측정학적 캐논(Canon)의 설정
비트루비우스는 자연이 설계한 가장 완벽한 디자인인 인간의 신체로부터 비례 시스템을 직접 유도했다. 그는 자연이 인체를 고정된 비례로 구성했듯이, 건축가 역시 "불멸의 신들이 거주하는 공간(Enclosures of the immortal gods)"을 위해 동일한 원칙을 따라야 한다고 주장했다.1 그는 수 세기 동안 건축의 캐논이 된 엄격한 분수 측정 체계를 제시했다:
얼굴(Face): 턱에서 이마 상단(머리카락 시작점)까지는 전체 키의 1/10이다.
손(Hand): 손목에서 중지 끝까지의 펼친 손 또한 전체 키의 1/10이다.
머리(Head): 턱에서 정수리까지는 전체 키의 1/8이다.
가슴(Breast)과 전완(Forearm): 가슴의 너비와 전완의 길이는 전체 키의 1/4이다.
발(Foot): 발의 길이는 전체 키의 1/6이다.1
이러한 측정값은 임의적인 것이 아니었다. 비트루비우스는 얼굴 자체도 3등분(턱에서 콧구멍, 콧구멍에서 눈썹, 눈썹에서 헤어라인)된다고 설명하며, 이러한 자연적 비율을 사용하는 유명한 화가와 조각가들이 "위대하고 끝없는 명성"을 얻었음을 상기시킨다.1 신전은 거시적인 신체(Macro-body)로 간주되었으며, 그 기둥과 엔타블러처, 기단은 신체의 사지와 같은 위상을 가졌다. 따라서 신전 설계에서 "전체의 일반적 크기에 대한 각 부분의 대칭적 관계에서 최고의 조화"가 있어야 한다는 그의 주장은 건축을 자연의 섭리와 일치시키려는 시도였다.5
2.1.2 소우주의 기하학: 원과 정사각형
비트루비우스 이론의 가장 지속적인 시각화는 훗날 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci)에 의해 유명해진 "비트루비우스적 인간(Vitruvian Man)"이다. 비트루비우스는 팔과 다리를 뻗은 잘 균형 잡힌 남성이 기하학적으로 가장 완벽한 두 가지 형태, 즉 **원(Circle)**과 **정사각형(Square)**에 어떻게 완벽하게 들어맞는지 설명했다.
원(The Circle): 배꼽(Navel)을 중심점으로 삼을 때, 팔과 다리를 뻗은 인간의 손가락과 발가락은 원의 둘레에 접한다. 이는 인간 정신의 신성함, 우주적 성격, 그리고 무한성을 상징한다.
정사각형(The Square): 발바닥에서 정수리까지의 높이는 양팔을 벌린 너비와 동일하다. 이는 존재의 지상적, 물질적, 측정 가능한 측면을 나타낸다.5
이 이중성—원과 정사각형 안의 인간—은 건축이 지상(Earth)과 천상(Sky)을 매개하는 행위라는 개념을 공고히 했다. 레오나르도 다 빈치에게 인체라는 소우주의 기하학은 우주라는 대우주의 기하학과 아날로지(Analogy) 관계에 있었다.5 건축가는 이러한 비례를 사용함으로써 단순히 피난처를 짓는 것이 아니라 우주의 신성한 기하학에 참여하는 것이었다.
2.2 알베르티와 음악적 콘치니타스(Concinnitas)
르네상스 시대에 이르러 레온 바티스타 알베르티(Leon Battista Alberti)는 비트루비우스의 실용주의를 고도로 정교한 철학적 체계로 격상시켰다. 그의 저서 『건축론(De re aedificatoria)』에서 알베르티는 건축을 육체노동이 아닌 지성(Intellect)에 기반한 자유학예(Liberal Art)로 확립하고자 했다. 이 프로젝트의 중심에는 **콘치니타스(Concinnitas)**라는 개념이 자리 잡고 있었다.
2.2.1 콘치니타스의 정의와 미의 3원칙
알베르티는 콘치니타스를 "자연의 절대적이고 근본적인 규칙"으로 정의했다. 이것은 "수(Number), 측정(Measure), 형태(Form)의 성공적인 결합"이며, 건물에 "위엄, 매력, 권위, 가치"를 부여하는 원천이다.8 알베르티에게 아름다움(Beauty)은 주관적인 것이 아니라, "무언가를 더하거나, 덜하거나, 변경하면 더 나빠질 수밖에 없는 상태"에서의 "부분들의 공명(Sympathy)과 조화(Consonance)"였다.8 즉, 콘치니타스는 "실용적 편의와 위엄 및 우아함"을 결혼시키는 규제력이다.8
알베르티는 아름다움을 콘치니타스가 규제하는 세 가지 구성 원칙으로 세분화했다:
수(Number): 요소의 산술적 수량.
윤곽(Outline): 형태의 기하학적 정의.
배치(Position): 부분들의 공간적 배열.8
2.2.2 음악적 유추와 니코마코스 표(Nicomachus Table)
알베르티의 가장 급진적인 기여는 건축적 비례를 **음악적 조화(Musical Harmony)**와 명시적으로 연결한 점이다. 그는 "귀에 즐겁게 들리는 소리의 콘치니타스를 만드는 바로 그 숫자가 눈과 마음을 경이로운 기쁨으로 채울 수 있다"고 주장했다.8 그는 시각과 청각이 비율(Ratio)을 감상하는 공통된 인지 메커니즘을 공유한다고 믿었다.
이러한 신념은 고대 그리스의 피타고라스와 플라톤의 『티마이오스(Timaeus)』에 뿌리를 두고 있으며, 알베르티는 2세기 수학자 니코마코스(Nicomachus)의 표를 활용하여 이를 구체화했다. 이 표는 기하급수적 수열을 통해 다음과 같은 음악적 비율을 건축에 적용하는 도구였다:
옥타브(Octave/Diapason): 2:1 비율.
완전 5도(Fifth/Diapente): 3:2 비율.
완전 4도(Fourth/Diatessaron): 4:3 비율.8
알베르티는 이러한 비율을 단순한 2차원 입면에만 적용한 것이 아니라 3차원 볼륨으로 확장했다. 그는 방의 비례—길이, 너비, 높이—가 합창단의 "저음, 중음, 고음"처럼 "화모니를 이루며 울려 퍼져야" 한다고 주장했다.8 현대의 3D 레이저 스캐닝 기술은 알베르티가 설계한 만토바의 **산 세바스티아노 교회(San Sebastiano Church)**가 이러한 이론을 철저히 따랐음을 증명했다. 예를 들어, 파사드와 본체의 비율은 1:2, 내부 공간의 높이와 기둥 간격은 3:5 또는 4:5의 비율을 엄격히 준수하고 있음이 확인되었다.8 이는 건축이 문자 그대로 "동결된 음악(Frozen Music)"이며, 관찰자의 수학적 영혼과 공명하도록 설계되었음을 의미한다.
2.3 팔라디오: 이상의 체계화와 평면의 경직성
알베르티 이후 한 세기가 지나, 안드레아 팔라디오(Andrea Palladio)는 알베르티의 이론을 엄격하고 복제가능한 시스템으로 운용했다. 그의 『건축사서(The Four Books on Architecture)』는 서구 세계를 수세기 동안 지배한 주거 건축의 템플릿을 제공했다.
팔라디오의 혁신은 화성적 비율을 **평면(Plan)**에 체계적으로 적용한 데 있다. 훗날 콜린 로우(Colin Rowe)가 분석했듯, 팔라디오의 평면은 수학에 기초한 "명석한 조직(Lucid Organization)"과 엄격한 대칭에 의해 지배되었다.11 그의 대표작 **빌라 로톤다(Villa Rotonda)**는 이러한 접근의 전형으로, 중앙의 기하학적 논리로부터 모든 방이 파생되는 중앙 집중식 양축 대칭 평면을 보여준다. 프랙탈 차원 분석(Fractal Dimension Analysis)을 통해 팔라디오의 작업을 살펴보면, 특히 평면에서 시각적 복잡성(D값)의 높은 일관성이 나타나는데, 이는 건물이 완전한 질서 체계로서 지적으로 파악되도록 설계되었음을 시사한다.11
팔라디오는 "인간의 작품은 신의 작품과 유사하게 구성되어야 한다"는 신념, 즉 건물이 우주의 소우주여야 한다는 믿음을 고수했다.12 이러한 형이상학적 의무는 화성적 관계의 영속성을 보장하기 위해 "마비된 평면(Paralysed Plan)"—구조적 내력벽으로 인해 변경이 불가능한 경직된 평면—을 요구했다.11 그러나 역설적으로, 이러한 평면의 제약은 단면(Section)에서의 자유(아치, 볼트, 지붕 높이의 변화 등)를 가능하게 했다.
20세기의 모더니즘으로의 전환은 고전적 비례론에 위기를 초래했다. 산업혁명, 강철과 철근 콘크리트의 등장, 그리고 형이상학적 확실성의 붕괴는 질서에 대한 새로운 접근을 요구했다. 비트루비우스의 "신"은 "기계(Machine)"로 대체되었고, 르네상스의 정적인 대칭은 큐비즘(Cubism)의 역동적인 동시성(Simultaneity)으로 대체되었다. 그러나 비례적 규제 선에 대한 갈망은 여전히 존재했다.
3.1 르 꼬르뷔지에: 모듈러(Modulor)와 인간 척도의 재건
모더니즘의 위대한 논객 르 꼬르뷔지에(Le Corbusier)는 집을 "살기 위한 기계"라고 선언했다. 그러나 그는 미터법(Metric System)에 대해 깊은 비판을 가했다. 그는 미터법이 인체가 아닌 추상적인 행성 측정치(지구 자오선의 4천만 분의 1)에 기반하고 있어 "인격과 열정이 결여되어 있고 인간 척도에 낯설다"고 보았다.13 그는 대량 생산에 필요한 표준화와 인간 신체의 유기적 비례를 화해시키고자 했다.
3.1.1 모듈러의 유도와 영국의 탐정 소설
르 꼬르뷔지에는 **모듈러(Modulor)**를 개발했다. 이는 "모듈(Module)"과 황금비를 뜻하는 프랑스어 "오르(Or)"의 합성어로, 건축과 기계 모두에 보편적으로 적용 가능한 "인간 척도에 맞는 조화로운 측정 범위"였다.14 이 시스템은 야드파운드법(Imperial System)(신체 부위에서 유래한 피트, 인치)과 미터법(십진법적, 추상적) 사이의 간극을 메우려는 시도였다.15
모듈러의 수치 유도 과정은 유명한 일화와 수학적 정밀함이 결합되어 있다:
6피트 경관(Policeman): 처음에 르 꼬르뷔지에는 1.75m의 표준 프랑스인을 기준으로 삼았으나, 국제적(특히 미국적) 통용성을 위해 **1.83미터(정확히 6피트)**를 기준으로 채택했다. 그는 "영국 탐정 소설에서 잘생긴 남자들, 예를 들어 경찰관들은 항상 6피트 키를 가졌다"는 관찰을 통해 이 특정 수치를 정당화했다.14 이는 단순한 유머가 아니라, 인체 척도와 앵글로색슨계의 측정 체계(피트/인치)를 통합하려는 의도였다.
피보나치 수열과 황금비: 팔을 든 6피트(1.83m) 남성의 전체 높이는 2.26미터(약 89인치)가 된다. 89는 피보나치 수이다. 이를 통해 그는 높이를 **황금비()**를 사용하여 약 55인치와 34인치(모두 피보나치 수)로 분할할 수 있었다. 배꼽의 높이(1.13m)는 팔을 든 높이의 딱 절반이자 황금분할점이었다.14
적색 계열과 청색 계열: 그는 이를 바탕으로 두 가지 스케일을 만들었다. **적색 계열(Red Series)**은 배꼽 높이(1.13m)를 기준으로, **청색 계열(Blue Series)**은 팔을 든 높이(2.26m)를 기준으로 한 피보나치 수열이다. 이 스케일들은 건축가가 피아노 건반처럼 연주할 수 있는 치수의 "키보드"를 제공하여, 문 손잡이에서 도시 광장에 이르기까지 모든 요소가 인체와 비례적 관계를 맺도록 했다.17
3.1.2 유니테 다비타시옹(Unité d'Habitation)의 적용
모듈러의 가장 포괄적인 적용은 마르세유의 **유니테 다비타시옹(Unité d'Habitation)**에서 발견된다. 천장 높이부터 붙박이 가구에 이르기까지 이 거대한 주거 단지의 모든 치수는 모듈러 값에서 파생되었다. 르 꼬르뷔지에는 건물 기단부에 "모듈러 맨"의 콘크리트 부조를 새겨 넣어, 건물의 생성 DNA가 무엇인지 명시적으로 드러냈다. 이는 표준화가 소외(Alienation)로 이어질 필요가 없으며, "조화로운 측정"을 통해 콘크리트 블록이 거주자의 생물학적 리듬과 공명할 수 있음을 증명하려는 시도였다.14
3.2 콜린 로우: 이상적 빌라의 수학
르 꼬르뷔지에가 새로운 시스템을 발명하려 했다면, 건축 이론가 콜린 로우(Colin Rowe)는 모더니즘과 르네상스 사이의 연속성을 드러내려 했다. 그의 획기적인 에세이 『이상적 빌라의 수학(The Mathematics of the Ideal Villa, 1947)』은 급진적인 비교 분석을 통해 건축 이론의 흐름을 바꾸어 놓았다.
3.2.1 팔라디오와 르 꼬르뷔지에의 비교 분석
로우는 팔라디오의 **빌라 말콘텐타(Villa Malcontenta, 1560)**와 르 꼬르뷔지에의 **빌라 가르슈(Villa Garches/Villa Stein, 1927)**를 병치했다. 하나는 귀족의 조적조 신전이고 다른 하나는 기계 시대의 백색 상자라는 양식적 차이에도 불구하고, 로우는 두 건물이 동일한 기하학적 논리를 공유함을 입증했다.
비교 항목
빌라 말콘텐타 (팔라디오)
빌라 가르슈 (르 꼬르뷔지에)
구조적 리듬
2 : 1 : 2 : 1 : 2 (A B A B A)
2 : 1 : 2 : 1 : 2 (A B A B A)
평면 구성
삼분할 조직 (중앙 베이 + 양측 베이)
삼분할 조직 (중앙 베이 + 양측 베이)
수학적 제재
형이상학적 명령 (우주적 조화)
"고상한 양식의 개인적 긴급성" (미적 선택)
구조와 공간
내력벽 마비된 평면 / 자유로운 단면
돔-이노 프레임 자유로운 평면 / 마비된 단면
그리드와 리듬: 로우는 두 건물 모두 2:1:2:1:2라는 구조적 리듬을 가지고 있음을 식별했다. 이는 두 건축가가 모두 수학을 "외부 형태의 세계에서 최고의 제재(Supreme Sanction)"로 사용했음을 보여준다.11
구조적 논리의 반전: 로우는 두 시대 사이의 구조적 반전을 포착했다. 팔라디오는 내력벽을 사용하여 평면을 고정(마비된 평면)시켰으나 단면(볼트, 지붕)에서 자유를 얻었다(자유로운 단면). 반면, 르 꼬르뷔지에는 기둥과 슬래브(Dom-Ino)를 사용하여 평면을 해방(자유로운 평면)시켰으나, 균일한 바닥판으로 인해 단면은 고정되었다(마비된 단면). 로우의 통찰은 건물의 복잡성이 르네상스의 단면에서 모더니즘의 평면으로 이동했음을 보여주었다.11
3.3 현상적 투명성(Phenomenal Transparency)과 공간적 비례
로우는 로버트 슬러츠키(Robert Slutzky)와 함께 쓴 에세이 『투명성: 리터럴과 현상적(Transparency: Literal and Phenomenal)』에서 비례의 개념을 지각의 영역으로 확장했다.
3.3.1 두 가지 투명성의 정의
리터럴 투명성(Literal Transparency): 유리가 빛과 공기를 투과시키는 것과 같은 물질의 물리적 성질이다. 발터 그로피우스(Walter Gropius)의 바우하우스(Bauhaus) 유리 커튼월이 대표적 예로, 이는 뒤편의 공간을 "모호함 없이(Unambiguous)" 보여준다.21
현상적 투명성(Phenomenal Transparency): 조직(Organization)의 내재적 품질이다. 이는 큐비즘 회화(브라크, 그리스)에서 유래한 개념으로, 겹쳐진 그리드와 평면들이 얕고 요동치는 깊이감을 만들어낼 때 발생하는 "서로 다른 공간적 위치의 동시적 지각(Simultaneous Perception)"이다. 이는 "명백하게 모호한(Clearly Ambiguous)" 상태이다.21
3.3.2 비례적 조절자로서의 그리드
로우는 현상적 투명성을 그리드와 비례의 사용과 연결했다. 빌라 가르슈에서 르 꼬르뷔지에는 단순히 유리를 사용한 것이 아니라, 파사드의 비례를 조작하여 현상적 투명성을 달성했다.
표면 장력(Surface Tension): 르 꼬르뷔지에는 벽면의 높이를 유리창 구획의 높이와 거의 동일하게 설계했다. 이러한 비례적 동등성은 유리면을 "단단하게(Stiffens)" 만들며, 그것이 단순한 구멍(Void)으로 보이는 것을 방지한다.
공간적 층화: 이는 "수직적인 층상 층화(Vertical Layerlike Stratification)"를 만들어내어, 관찰자가 "광학적 파괴 없이 상호 관입하는" 가상의 평면들을 머릿속으로 구성하게 만든다.22
알제리 마천루(Algiers Skyscraper): 로우는 르 꼬르뷔지에의 알제리 프로젝트에서 브리즈 솔레이유(Brise-soleil)를 수학적 그리드로 분석했다. 이 그리드는 수평 띠와 상호작용하여 "E자형 중첩(Overlay)"을 만들어내며, 눈은 이 비례적 시스템들을 엮어 물리적 깊이보다 더 풍부한 정신적 깊이를 구축하게 된다.23
따라서 로우에게 모더니즘의 비례는 정적인 아름다움을 위한 것이 아니라, **공간적 모호성(Spatial Ambiguity)**과 지적 복잡성을 생성하기 위한 도구였다.
4. 지각적 전회: 게슈탈트 이론과 중심의 힘
로우가 비례의 형식적 메커니즘에 집중했다면, 루돌프 아른하임(Rudolf Arnheim)은 **시지각(Visual Perception)**이라는 심리학적 차원을 전면에 내세웠다. 게슈탈트 심리학에 기반을 둔 아른하임은 비례가 단순한 기하학적 사실이 아니라, 시각적 힘(Visual Forces)의 상호작용에 의해 생성되는 역동적 경험이라고 주장했다.
4.1 두 가지 공간 시스템: 우주적(Cosmic) vs. 직교적(Parochial)
그의 저서 『중심의 힘(The Power of the Center)』에서 아른하임은 시각적 구성이 두 가지 공간 시스템 간의 갈등과 해소의 결과라고 제안한다.24
중심 시스템(The Centric/Cosmic System): 중력의 중심을 둘러싸고 조직되는 시스템이다. 이것은 중심으로부터의 거리(반지름/동심원)에 따라 위계를 정의한다. 이는 객체의 "내부적" 논리이다.
직교 시스템(The Cartesian/Parochial Grid): 중력과 수평선에 의해 정의되는 외부 세계의 시스템이다. 그리드는 고유한 중심이 없는 "끝없는 확장(Endless Expanse)"이다. 이는 인간의 방향감각(Orientation)을 위한 프레임워크를 제공한다.
4.2 역동적 비례와 유도된 중심
아른하임은 "비례"가 이 시스템들 내에서 **힘의 균형(Balancing of Forces)**에 의해 유도된다고 주장한다.
균형 중심(The Balancing Center): 모든 시각적 구성은 보이지 않는 피벗(Pivot) 역할을 하는 "균형 중심" 또는 "무게 중심(Barycenter)"을 가진다. 구성이 "비례가 맞다"는 것은 자를 들이대어 치수가 맞을 때가 아니라, 요소들의 시각적 무게가 이 중심 주변에서 평형을 이룰 때이다.24
초점과 벡터(Focal Points and Vectors): 시각적 객체는 힘을 방출하는 "에너지의 중심"으로 작용한다. 예를 들어 방의 비례는 방문자가 그곳을 이동하는 "선율적 시퀀스(Melodic Sequence)"를 통해 지각된다. 중앙 홀과 같은 건축적 경험의 "클라이맥스"는 건물의 시간적 경험을 고정하는 초점 역할을 한다.25
구조적 골격(Structural Skeleton): 아른하임은 정사각형이나 직사각형이 가진 "숨겨진 구조"—대각선과 축—를 설명한다. 비례적인 디자인은 이러한 힘의 선(Lines of Force)을 인식한다. 객체가 이러한 축(가장 "편안한" 위치)에 놓일 때 구성은 안정감을 주며, 축에서 벗어날 때 긴장을 유발한다.24
아른하임의 이론은 비례의 정의를 산술적(Arithmetic) 치수에서 **역동적(Dynamic)**인 지각된 힘으로 전환시켰다. 건물이 "잘 비례되었다"는 것은 그 지향성 긴장(Directed Tensions)들의 상호작용이 자가 지속적인 전체를 생성할 때이다.25
5. 연산적 전회: 프랙탈, 파라메트리시즘, 그리고 이산성(Discreteness)
디지털 연산(Computation)의 도래는 비례의 유도와 사용 방식을 근본적으로 변화시켰다. 알베르티의 정적 비율과 르 꼬르뷔지에의 표준화된 모듈은 알고리즘 논리로 대체되었으며, 여기서 비례는 스케일링(Scaling)과 조립(Assembly)의 **창발적 속성(Emergent Property)**이 되었다.
5.1 프랙탈 기하학: 자기유사성(Self-Similarity)의 논리
프랙탈 기하학은 스케일(Scale)을 가로질러 자기유사성을 나타내는 불규칙한 형태를 설명한다. 프랙탈 객체는 멀리서 보든 현미경으로 보든 그 상대적인 비례(거칠기, 복잡성)를 유지한다.
5.1.1 디테일에서 도시로의 스케일링
건축에서 프랙탈 논리는 디자인 복잡성을 위한 "정량화 가능한 보정 도구"를 제공한다.26
작은 스케일 (건물): 힌두 사원의 시카라(Shikhara)나 고딕 대성당과 같은 역사적 사례들은 "의식적인" 프랙탈 스케일링을 보여준다. 탑은 더 작은 탑들에 의해 둘러싸이고, 이는 다시 더 작은 탑들로 둘러싸이는 재귀적 폭포(Recursive Cascade)를 이룬다. 모더니즘의 예로는 프랭크 로이드 라이트(Frank Lloyd Wright)의 **팔머 하우스(Palmer House)**가 있다. 여기서는 정삼각형 모티브가 평면도에서부터 조명 기구, 세라믹 장식에 이르기까지 축소되는 스케일로 중첩(Nesting)되고 반복된다. 이는 디자인을 통합하는 "건물 자기유사성"을 생성한다.26
큰 스케일 (도시): 도시 스케일에서 도시는 복잡한 계층 시스템으로 작동한다. 배티(Batty)와 롱리(Longley)의 연구는 **세룰러 오토마타(Cellular Automata)**를 사용하여 도시 성장을 프랙탈 과정으로 시뮬레이션한다. 교통 네트워크의 "나무와 같은(Tree-like)" 구조와 밀도의 분포는 멱함수 법칙(Power Laws)을 따른다. 이 스케일에서의 시각적 비례는 **리듬적 조화(Rhythmic Harmony)**에 관한 것이다. 즉, 구축된 환경의 프랙탈 차원을 자연 경관(예: 산등성이)의 프랙탈 차원과 일치시키는 것이다.26
5.2 파라메트리시즘(Parametricism) 대 이산 건축(Discrete Architecture)
초기 컴퓨터 디자인은 자하 하디드(Zaha Hadid) 등으로 대표되는 파라메트리시즘으로 나타났으며, 이는 연속적인 미분(Differentiation)과 매끄러운 스플라인 기반의 형태를 우선시했다. 그러나 최근 질 레신(Gilles Retsin)과 같은 이론가들이 주도하는 **이산 건축(Discrete Architecture)**이라는 새로운 패러다임이 연속성에 대한 비판으로 부상했다.
이산 건축은 초점을 "전체(Whole)"의 위상수학에서 "부분(Part)"의 **메레올로지(Mereology, 부분과 전체의 관계론)**로 이동시킨다.
"총체적 디자인(Total Design)"의 거부: 레신은 모든 요소가 특정 기하학적 표면에 맞게 커스터마이징되어야 하는 모더니즘과 파라메트리시즘의 "총체적" 형태 집착을 비판한다. 이는 계산적으로 비싸고 물질적으로 낭비적이다.27
가변적 관계, 고정된 부분: 이산 건축에서 "부분"(또는 비트/복셀)은 일반적이고(Generic), 직렬화되었으며(Serialised), 자율적이다(Autonomous). 이 부분들은 **"건축적 기능에 대해 불가지론적(Agnostic to architectural function)"**이다. 즉, 하나의 디지털 블록은 그것이 어떻게 조립되느냐에 따라 기둥이 될 수도, 슬래브가 될 수도, 보가 될 수도 있다.27
창발적 비례: 비례는 더 이상 파사드에 적용되는 황금비와 같은 하향식(Top-down) 명령이 아니다. 대신 비례는 부분들의 조합 논리(Combinatorial Logic)에서 발생하는 창발적 속성이다.
다이아몬드 하우스(Diamonds House): 이 프로젝트에서 레신은 세 가지 다른 위계를 가진 L자형 블록들을 사용한다. 전체적인 형태와 그 비례는 전통적인 의미에서 "디자인"된 것이 아니라, 이 이산적 유닛들의 알고리즘적 조립의 결과이다.27
점진적 차이(Incremental Difference): 가변성은 부분의 형태를 변형(커스터마이징)하는 것이 아니라, 부분들의 **조직(Organization)**을 변경함으로써 달성된다. 이는 구성 요소의 대량 맞춤 생산이 아니라 **"조립의 대량 맞춤 생산(Mass customization of assemblies)"**을 가능하게 한다.27
이는 비례의 "설정"에 있어서 급진적인 변화를 의미한다. 비례는 **비율(Ratio, A:B)**의 문제에서 **구문론(Syntax, If A then B)**의 문제로 이동한다. 건물의 "조화"는 외피의 기하학이 아니라 연결(Connection)의 논리에 의해 정의된다.
6. 종합: 규제 선(Regulating Lines)의 궤적
건축에서 시각적 비례의 궤적은 혼돈 속에서 질서를 찾으려는 인간의 지속적인 노력을 보여주며, 이는 계산 도구의 발전에 따라 진화해 왔다. 아래 표는 네 가지 주요 시대의 비례 개념을 비교 요약한다.
시대 구분
주요 메커니즘
철학적 기반
비례의 역할
고전 / 르네상스
비율(Ratio) & 대칭
형이상학 (신의 질서, 대우주/소우주)
정적(Static): 보편적 진리를 반영하기 위해 신체와 음악에서 유도된 고정 불변의 규칙. (비트루비우스, 알베르티, 팔라디오)
모더니즘
모듈 & 그리드
산업 / 휴머니즘 (표준화, 기계 미학)
표준화(Standardizing): 대량 생산과 인간 척도의 화해; 공간적 모호성(투명성) 생성. (르 꼬르뷔지에, 로우)
지각 심리학
힘(Force) & 장(Field)
심리학 (게슈탈트, 경험)
동적(Dynamic): 시각적 무게의 평형; 공간의 시간적 경험으로서의 비례. (아른하임)
이 시대들을 관통하는 결정적인 흐름은 "이상(Ideal)"의 해체이다. 비트루비우스와 알베르티는 단일하고 객관적인 아름다움—"올바른" 비례—을 믿었다. 르 꼬르뷔지에는 이를 모듈러라는 표준화를 통해 구제하려 했다. 그러나 로우의 "현상적 투명성" 분석은 비례를 물리적 실체에서 분리하여 관찰자의 지성 속으로 옮겨 놓았다. 이산 건축은 이러한 해체를 완성한다. 이제 "이상적인" 형태는 존재하지 않으며, 고정된 부분들의 집합이 만들어낼 수 있는 무한한 변주만이 존재한다. "보편적 인간(Universal Man)"은 "보편적 부품(Universal Part)"으로 대체되었다.
6.2 3차적 통찰: 비례의 정치경제학
이 시스템들에는 잠재적인 정치경제학이 내재되어 있다. 알베르티의 콘치니타스는 교회와 군주의 위계적 권력을 공고히 했다. 르 꼬르뷔지에의 모듈러는 산업 자본주의의 압도적인 스케일로부터 인간성을 보호하려 했다. 레신의 이산 건축은 파라메트리시즘의 "신자유주의적" 과잉(값비싼 비정형 외피)에 명시적으로 반대하며, 저렴하고 표준화된 부품을 통해 복잡하고 고품질의 주거를 공급할 수 있는 **"민주화된 자동화(Democratized Automation)"**를 옹호한다.27 따라서 비례의 "설정"은 결코 순수한 미적 행위가 아니며, 당대의 생산 양식(Modes of Production)에 대한 건축적 응답이다.
7. 결론
건축에서 시각적 비례는 관계성(Relationality)의 규율이다. 그것은 건축가가 물질세계와 인간 주체 사이의 교전 조건을 설정하는 방법론이다. 본 연구는 비례의 도구가 컴퍼스와 모노코드(Monochord)에서 알고리즘과 복셀(Voxel)로 변화했음에도 불구하고, 의도는 놀랍도록 일관되게 유지되고 있음을 보여준다. 그것은 바로 부분과 전체 사이의 "공명(Resonance)"을 창조하여 공간에 지각 가능성(Intelligibility)을 부여하는 것이다.
알베르티의 "교향악적" 비율이든, 로우의 "현상적" 레이어링이든, 프랙탈 기하학의 "자기유사적" 스케일링이든, 그 목표는 혼돈에 질서를 부여하는 것이다. 현대적 맥락에서 건축가의 과제는 **고정된 값(Fixed Values)**에서 **가변적 관계(Variable Relations)**로의 전환을 탐색하는 것이다. "이산(Discrete)" 패러다임은 비례가 관조해야 할 정적인 이미지가 아니라, 실행해야 할 조립의 논리가 되는 미래를 시사한다. 어떤 의미에서 우리는 벽돌, 통나무, 이산적 단위와 같은 전근대적이고 버내큘러(Vernacular)한 논리로 회귀하고 있으나, 이는 무한한 복잡성을 제어할 수 있는 연산 능력으로 무장된 "초(Super) 버내큘러"의 상태이다. 르 꼬르뷔지에의 "6피트 경관"은 "불가지론적 비트(Agnostic Bit)"로 대체되었지만, 조화로운 척도를 향한 탐구는 계속되고 있다.
Proportion and Building Material, or Theory versus Practice in the Determination of the Module | Architectural Histories, 2월 10, 2026에 액세스, https://journal.eahn.org/article/id/7496/
Musical Symbolism in the Works of Leon Battista Alberti by Angela Pintore in the Nexus Network Journal vol. 6 no. 2 (Autumn 2004) - EMIS, 2월 10, 2026에 액세스, https://emis.dsd.sztaki.hu/journals/NNJ/Pintore.html
The Mathematics of 'Natural Beauty' in the Architecture of Andrea Palladio and Le Corbusier: An Analysis of Colin Rowe's Theory of Formal Complexity Using Fractal Dimensions - MDPI, 2월 10, 2026에 액세스, https://www.mdpi.com/2504-3110/7/2/139
20세기 근대 건축의 역사를 회고할 때, 우리는 흔히 '백색'이라는 단일한 시각적 언어에 갇히기 쉽다. 르 코르뷔지에(Le Corbusier)의 빌라 사보아(Villa Savoye)나 바이센호프 주거단지(Weissenhof-Siedlung)의 이미지는 순백의 추상적 입방체로 각인되어 있으며, 이는 모더니즘 건축이 장식을 배제하고 기능주의적 순수성을 추구했다는 통념을 강화해왔다.1 그러나 이러한 '백색의 신화'는 르 코르뷔지에라는 거장의 건축 철학을 온전히 이해하는 데 있어 심각한 오해를 불러일으킨다. 그는 결코 무채색의 세계에 머무르지 않았으며, 오히려 색채를 공간을 구축하고 인간의 감각을 조직하는 가장 강력한 건축적 수단 중 하나로 간주했다.
르 코르뷔지에는 "색채는 평면과 단면만큼이나 강력한 건축 수단이다. 아니, 색채는 평면과 단면 그 자체의 요소이다(Polychromy is an architectural technique as powerful as the ground plan or section)"라고 천명한 바 있다.1 그에게 있어 색채는 단순한 마감재나 장식적 덧칠이 아니라, 공간의 볼륨을 조각하고, 건축적 위계를 설정하며, 거주자의 심리적 반응을 유도하는 본질적인 '건축 재료'였다. 그는 화가로서의 경험을 바탕으로 건축 공간에 회화적 원리를 도입하였고, 이를 통해 '건축적 산책로(Promenade Architecturale)'의 시퀀스를 완성하고자 했다.2
본 연구 보고서는 르 코르뷔지에가 정립한 '건축적 다채색(Polychromie Architecturale)'의 이론적 체계와 이를 구체적인 도구로 표준화한 'Salubra' 벽지 컬렉션(1931년, 1959년)을 심층적으로 분석한다. 특히 그의 색채 이론이 시기별로 어떻게 변화했는지—초기 순수주의(Purism)의 억제된 팔레트에서 후기 브루탈리즘(Brutalism)의 원초적 색채 폭발에 이르기까지—를 추적하고, 동시대의 경쟁적 예술 운동이었던 데 스틸(De Stijl) 및 바우하우스(Bauhaus)의 색채론과 비교함으로써 르 코르뷔지에만의 독창적인 공간 전략을 규명하고자 한다. 이를 통해 우리는 색채가 어떻게 현대 건축 공간의 질을 결정짓는 핵심 기제로 작동하는지, 그리고 르 코르뷔지에의 유산이 오늘날의 통합적 디자인 시스템에 어떤 시사점을 주는지에 대한 포괄적인 통찰을 얻게 될 것이다.
2. 르 코르뷔지에 색채 이론의 철학적 기반과 체계
르 코르뷔지에의 색채 이론은 단순한 미적 취향의 나열이 아니라, 인간의 생리적 반응과 자연의 질서에 대한 깊은 탐구에서 비롯된 논리적 체계였다. 그는 색채를 감성적 영역에서 이성적 영역으로 끌어올려, 건축가가 통제하고 조작할 수 있는 객관적인 도구로 만들고자 했다.
2.1 순수주의(Purism)와 색채의 구조적 역할
1918년, 르 코르뷔지에는 화가 아메데 오젠팡(Amédée Ozenfant)과 함께 『입체파 이후(Après le Cubisme)』를 발표하며 순수주의(Purism) 운동을 주창했다. 이들은 입체파가 지나치게 장식적이고 난해해졌다고 비판하며, 기계 문명의 질서와 정밀함을 반영한 명료하고 보편적인 예술 형식을 추구했다.2 이러한 순수주의 철학은 르 코르뷔지에의 초기 색채 이론의 근간이 되었다.
순수주의 회화에서 색채는 형태에 종속된 요소가 아니라, 형태를 강화하고 공간의 깊이를 조절하는 구조적 요소로 기능했다. 르 코르뷔지에는 "나는 회화라는 바늘구멍을 통해 건축가가 되었다"고 고백할 만큼, 회화에서 실험한 색채의 공간적 효과를 3차원 건축 공간에 그대로 적용했다.2 그는 색채가 가진 고유한 성질—진출과 후퇴, 팽창과 수축—을 이용하여 건축적 결함을 보완하거나 공간의 위계를 조절하는 '조절된 다채색(Polychromie reglée)' 개념을 발전시켰다.
2.2 건축적 다채색의 세 가지 기능 (Les trois vertus)
르 코르뷔지에는 색채가 건축 공간 내에서 수행해야 할 세 가지 핵심 기능을 정의했다. 이는 그가 1938년 강연 등에서 언급한 내용으로, 색채를 사용하는 목적과 방법을 명확히 규정한다.2
2.2.1 공간의 구축 및 분류 (Space Construction & Classification)
첫 번째 기능은 색채를 통해 공간의 부피감을 조절하고 사물에 질서를 부여하는 것이다. 르 코르뷔지에는 색채가 인간의 시지각에 작용하여 물리적 거리를 변화시킬 수 있다고 보았다.
공간의 깊이 조절: 그는 "파란색 벽은 뒤로 물러나고(recede), 붉은색 벽은 평면을 고정시킨다(hold the plane)"는 원리를 제시했다.5 차가운 색(파랑, 녹색)은 공간을 확장시키고 깊이를 더하는 반면, 따뜻한 색(빨강, 주황, 갈색)은 벽면을 앞으로 당겨 공간을 확정 짓거나 특정 면을 강조하는 데 사용된다.
오브제의 분류: "색채는 사물을 분류한다(La couleur classe les objets)"는 명제 아래, 르 코르뷔지에는 공간 내의 본질적인 요소와 부수적인 요소를 색채로 구분했다. 예를 들어, 구조체(기둥)와 비내력벽, 또는 붙박이 가구와 벽면을 서로 다른 색으로 처리함으로써 건축의 구조적 논리를 시각적으로 명료하게 드러냈다.5
2.2.2 위장 및 형태의 소거 (Camouflage)
'카무플라주(Camouflage)'는 르 코르뷔지에 색채 이론에서 가장 전략적이고 독창적인 개념이다. 이는 공간의 결점을 감추거나, 과도한 볼륨감을 해체하여 시각적 균형을 맞추는 기법이다.2
볼륨의 해체: 르 코르뷔지에는 "나는 4개의 벽과 천장의 봉투를 부수어버릴 수 있다"고 선언했다.5 그는 방의 모서리나 벽과 천장의 경계를 모호하게 만들기 위해 어두운 색이나 그림자 색(Ombre Brulée)을 사용했다. 이를 통해 닫힌 상자로서의 공간감을 지우고, 무한히 확장되는 듯한 심리적 공간을 창출했다.
건축적 결함의 은폐: 라디에이터, 배관 등 시각적으로 거슬리는 설비 요소를 벽과 동일한 색으로 칠하거나, 반대로 짙은 회색이나 암갈색으로 처리하여 시각적 배경으로 물러나게 했다. 이는 공간의 순수성을 유지하기 위한 실용적인 전략이었다.
2.2.3 심리적·생리적 반응 (Psychological Reaction)
르 코르뷔지에는 색채가 인간의 신경계와 정서에 직접적인 영향을 미친다고 믿었다. 그는 페르낭 레제(Fernand Léger)의 "인간에게는 물과 불만큼이나 색채가 필요하다"는 말을 인용하며, 색채 환경이 거주자의 행복과 건강에 필수적임을 역설했다.2
생리적 효과: 그는 "파란색은 진정시키고, 붉은색은 자극한다(Blue is calming, red is exciting)"와 같이 색채의 생리적 효과를 구체적으로 정의했다.5 이는 현대 색채 심리학과도 일맥상통하는 부분으로, 그는 병원이나 요양소 설계에서도 색채를 치료적 도구로 활용하고자 했다.
분위기의 창조: 르 코르뷔지에는 색채를 '따뜻한 색'과 '차가운 색'으로 나누어 공간의 성격을 규정했다. 빛과 기쁨, 활동성을 요하는 공간에는 따뜻한 계열을, 그늘과 평온, 사색이 필요한 공간에는 차가운 계열을 배치하여 공간의 용도에 맞는 심리적 환경을 조성했다.
2.3 색채의 위계와 팔레트 구성
르 코르뷔지에는 무분별한 색채 사용을 경계하고, 건축적으로 유효한 색채들을 선별하여 위계를 정했다. 그는 이를 세 가지 그룹으로 분류했다.4
색채 그룹
특성 및 구성
건축적 기능
구축적 색채
(Constructive Colors)
천연 안료 기반의 흙색, 황토색(Ochre), 암갈색, 흰색, 울트라마린 등.
공간의 형태를 명확히 하고 배경을 형성함. 편안하고 안정적인 분위기 조성. 르 코르뷔지에가 '대건반(Grande Gamme)'이라 칭한 기본 색조.
역동적 색채
(Dynamic Colors)
합성 안료 기반의 선명한 원색(빨강, 파랑, 노랑, 주황 등).
공간에 활력을 불어넣고 강한 대조를 통해 시선을 집중시킴. 특정 요소(문, 기둥 등)를 강조하거나 감정을 고양시키는 역할.
전이적 색채
(Transitional Colors)
투명하거나 뉘앙스가 있는 색채, 유약(Glaze) 처리된 색상.
표면의 질감을 변화시키거나 공간의 깊이감에 미묘한 변화를 줌. 재료의 물성을 드러내면서 색채 효과를 부여.
이러한 분류는 색채를 단순한 '색상(Hue)'의 문제가 아니라, 공간 내에서의 '역할'과 '물성'의 관점에서 접근했음을 보여준다.
3. Salubra 벽지 컬렉션: 색채 이론의 도구화와 표준화
르 코르뷔지에는 자신의 색채 이론이 소수의 엘리트 건축가에게만 머무르지 않고, 일반 대중과 산업 현장에서 널리 쓰이기를 원했다. 당시 도장 공사의 품질이 불균일하고 색상 배합이 현장 작업자의 자의에 맡겨지는 문제를 해결하기 위해, 그는 스위스의 벽지 회사 Salubra S.A.와 협력하여 두 차례에 걸쳐 벽지 컬렉션을 출시했다.7 이 컬렉션은 르 코르뷔지에의 색채 철학을 집대성한 실질적인 '도구'였다.
3.1 1931년 첫 번째 컬렉션: 'Claviers de couleurs' (색채 건반)
1931년에 출시된 첫 번째 컬렉션은 "롤에 담긴 유성 페인트(Oil paint in rolls)"라는 혁신적인 개념으로 시작되었다. 르 코르뷔지에는 벽지가 종이가 아니라, 균일한 품질을 보장하는 건식 도장재로 기능해야 한다고 보았다.8
3.1.1 43가지 색채의 구성과 의미
이 컬렉션은 총 **43가지의 단색(Plain colors)**으로 구성되었다. 르 코르뷔지에는 이 색상들을 자연과 건축의 역사에서 추출했다. 여기에는 다양한 톤의 흰색, 회색, 샌드(Sand), 오크(Ochre), 시에나(Sienna), 그리고 르 코르뷔지에 특유의 파란색(Bleu Outremer, Céruléen)과 녹색(Vert Anglais) 등이 포함된다.7 이들은 대부분 채도가 낮거나 중간 정도이며, 서로 조화를 이루기 쉬운 '구축적' 성격이 강했다.
3.1.2 '건반(Clavier)' 시스템의 메커니즘
르 코르뷔지에 색채 시스템의 핵심은 '색채 건반(Claviers de couleurs)'이라 불리는 조직 방식에 있다. 그는 43가지 색상을 무작위로 나열하는 대신, 특정 분위기를 연출할 수 있는 12개의 주제별 건반으로 묶었다.5
주제별 구성: 각 건반은 '공간(Space)', '하늘(Sky)', '벨벳(Velvet)', '모래(Sand)', '풍경(Landscape)' 등의 이름을 가지고 있으며, 해당 분위기를 연출하는 데 최적화된 3~5가지 색상의 조합으로 이루어져 있다.
사용자 주도적 선택: 사용자는 이 건반 시스템을 통해 전문적인 지식 없이도 조화로운 색상 배합을 선택할 수 있었다. 이는 개인의 취향을 존중하면서도, 르 코르뷔지에가 설정한 미적 질서를 벗어나지 않도록 유도하는 장치였다.
3.1.3 선택 도구 '안경(Lunettes)'
르 코르뷔지에는 사용자가 색상을 선택할 때 인접한 다른 색상의 간섭을 배제하고 집중할 수 있도록 '안경(Lunettes)'이라 불리는 슬라이딩 도구를 고안했다.5 이 종이 프레임은 건반 위를 움직이며 특정 색상 조합(예: 2개의 벽면 색과 1개의 강조색)만을 격리해 보여줌으로써, 사용자가 실제 공간에 적용되었을 때의 느낌을 미리 시뮬레이션할 수 있게 했다.
3.2 1959년 두 번째 컬렉션: 'Salubra II'와 브루탈리즘의 반영
전후 1959년에 출시된 두 번째 컬렉션은 르 코르뷔지에의 건축 언어가 순수주의에서 브루탈리즘으로 변화했음을 반영한다.
20가지 색상의 추가: 기존 43가지 색상에 더해 20가지의 새롭고 강렬한 색상이 추가되어 총 63가지 색채 시스템이 완성되었다.7 이 시기의 색채는 1931년의 부드러운 톤과 달리, 원색에 가까운 강렬한 빨강(Rouge Vermillon), 짙은 검정, 선명한 노랑 등이 주를 이루었다.
재료와의 관계: 이러한 강렬한 색채(Intensity Colors)는 전후 르 코르뷔지에 건축의 주재료였던 거친 노출 콘크리트(Béton Brut)와 강력한 대비를 이루기 위해 고안되었다. 거칠고 무거운 콘크리트 물성 옆에서 색채는 더욱 생동감 있게 빛나며 공간에 에너지를 부여했다.4
패턴의 도입: 1959년 컬렉션에는 단색 외에도 대리석 무늬(Marble)나 기하학적 패턴(Mauer)이 포함되었다. 특히 작은 사각형 그리드로 이루어진 'Mauer' 패턴은 찬디가르나 유니테 다비타시옹의 입면에서 볼 수 있는 창문의 리듬과 비례를 벽지 디자인으로 옮겨온 것이었다.10
3.3 'Les Couleurs' 시스템의 현대적 유산
오늘날 르 코르뷔지에의 63가지 색채 팔레트는 'Les Couleurs® Le Corbusier'라는 브랜드로 통합되어 관리되고 있다. 이는 단순한 페인트 색상을 넘어 가구, 창호, 스위치, 바닥재 등 현대 인테리어 디자인 전반에 적용되는 표준 색채 시스템으로 자리 잡았다.1 르 코르뷔지에의 팔레트가 현대에도 유효한 이유는, 그것이 일시적인 유행을 따르는 색상이 아니라 자연의 색조와 인간의 감각에 기초한 '근원적인 색채'들로 구성되어 있어 어떤 공간에서도 조화로움을 잃지 않기 때문이다.
4. 공간적 적용 기법의 진화: 사례 분석
르 코르뷔지에의 색채 적용은 그의 건축 양식의 변화와 밀접하게 연동되었다. 초기 백색 건축 시기에는 내부 공간의 조각적 성격을 강조하기 위해 색을 썼다면, 후기에는 구조체 자체의 물성을 드러내고 거대한 스케일을 제어하기 위해 색을 사용했다.
4.1 초기 순수주의 (1920년대): 내부로의 침잠과 공간 조각
이 시기의 건축물은 외관은 백색으로 통일하되, 내부는 다채색을 사용하여 공간감을 조절하는 방식을 취했다.
4.1.1 빌라 라 로슈 (Villa La Roche, 1923-1925)
빌라 라 로슈는 르 코르뷔지에의 초기 색채 이론이 가장 실험적으로 적용된 사례이다.2
현관 홀의 카무플라주: 3층 높이의 거대한 현관 홀에서 그는 벽면을 각기 다른 색으로 처리했다. 한쪽 벽은 옅은 황토색으로 칠해 따뜻함을 주었고, 그림자가 지는 부분이나 구조적으로 감추고 싶은 부분은 짙은 회색이나 갈색으로 눌러주었다.
동선의 유도: 갤러리로 이어지는 경사로(Ramp)는 붉은색이나 짙은 색으로 처리하여 관람자의 시선을 이끌고 동선을 암시했다. 이는 '건축적 산책로'의 시각적 가이드로서 색채가 기능함을 보여준다.
볼륨 소거: 돌출된 발코니나 벽체의 뒷면을 짙은 갈색이나 검은색으로 칠해, 마치 그 부분이 허공에 떠 있거나 존재하지 않는 것처럼 보이게 하는 착시 효과(Camouflage)를 적극 활용했다.
4.1.2 빌라 사보아 (Villa Savoye, 1928-1931)
근대 건축의 아이콘인 빌라 사보아에서도 색채는 중요한 역할을 했다.14
자연의 유입: 1층의 유리로 된 곡면 벽체 뒤편의 벽을 짙은 녹색으로 칠했다. 이는 필로티 사이로 보이는 외부의 숲과 시각적으로 연결되어, 건물이 지상에서 분리되어 떠 있는 듯한 느낌을 강화한다.
기능의 분리: 옥상 정원의 솔라리움 벽면은 곡선과 직선이 교차하는데, 이곳에 분홍색(Pale Pink)과 파란색을 사용하여 파란 하늘 및 녹색 정원과 대비를 이루게 했다. 이는 외부 공간임에도 불구하고 내부 거실의 연장선상에 있는 아늑한 위요감을 형성한다.
4.2 후기 브루탈리즘 (1940년대 후반~1960년대): 재료와의 대화
전후 르 코르뷔지에는 콘크리트라는 재료의 원시적 힘에 매료되었고, 색채는 이 무거운 재료와 대등하게 맞서는 강력한 에너지원으로 사용되었다.
입면의 리듬: 거대한 회색 콘크리트 격자(Brise-soleil)의 측면에 빨강, 노랑, 파랑, 초록의 강렬한 원색을 칠했다. 이는 거대한 건물의 덩어리감을 분절시켜 인간적인 스케일을 부여하고, 지중해의 강한 햇빛 아래서 시간에 따라 변화하는 그림자와 색채의 향연을 만들어냈다.
개별성의 표현: 획일적인 집합주거임에도 불구하고, 각 세대의 발코니 색상을 다르게 적용함으로써 거주자에게 개별적인 영역성을 부여했다. 이는 "전체 속의 개별성"이라는 그의 공동체 주거 철학을 색채로 구현한 것이다.
4.2.2 롱샹 성당 (Notre-Dame-du-Haut, Ronchamp, 1950-1955)
롱샹 성당에서 색채는 빛과 하나가 되었다.16
색채로서의 빛: 두꺼운 남측 벽에 뚫린 불규칙한 깊은 창들에 채색 유리(Stained glass)를 설치했다. 전통적인 스테인드글라스와 달리, 그는 유리에 그림을 그리는 대신 유리 그 자체의 색과 빛의 투과를 이용해 내부 공간에 신비로운 색채의 오라(Aura)를 형성했다.
독립적 요소: 에나멜로 칠해진 철제 문이나 제단의 부속 요소들은 거친 회반죽 벽과 대비되는 선명한 원색으로 칠해져, 마치 갤러리에 놓인 독립적인 예술 작품처럼 공간에 긴장감을 부여한다.
5. 동시대 타 예술 운동과의 비교 분석
르 코르뷔지에의 색채 이론은 당시 유럽을 휩쓴 모더니즘 예술 운동들과 영향을 주고받았지만, 그 지향점과 방법론에서는 뚜렷한 차이를 보였다.
5.1 데 스틸 (De Stijl) 운동과의 비교: 공간의 해체 vs 구축
네덜란드의 데 스틸(몬드리안, 리트펠트, 반 도스버그)은 원색과 기하학을 통해 보편적 조화를 추구했다. 르 코르뷔지에는 이들의 미학에 영향을 받았지만, 공간을 다루는 방식에서 결별했다.17
데 스틸의 공간 해체: 리트펠트(Gerrit Rietveld)의 슈뢰더 하우스(Schröder House)에서 볼 수 있듯이, 데 스틸은 색채를 사용하여 3차원 볼륨을 2차원적인 면(Plane)들의 집합으로 분해했다. 벽은 더 이상 공간을 감싸는 경계가 아니라, 무한한 공간 속으로 뻗어 나가는 추상적인 면이었다.
르 코르뷔지에의 공간 구축: 반면 르 코르뷔지에는 색채를 통해 공간을 '구축(Construct)'하고 위계를 세우려 했다. 그에게 벽은 여전히 공간을 규정하는 실체였다. 그는 데 스틸의 '해체'가 건축의 내부성(Interiority)을 파괴한다고 보았으며, 대신 색채로 볼륨을 조절하여 인간이 경험하는 공간의 질을 높이는 데 주력했다.
대각선 논쟁: 테오 반 도스버그(Theo van Doesburg)가 건축에 대각선 색채를 도입하여 역동성을 부여하려 했을 때(Counter-construction), 르 코르뷔지에는 이를 건축의 중력과 구조적 질서를 해치는 것으로 간주하여 거부했다. 그는 수직과 수평의 질서 안에서 색채의 변화를 추구했다.
5.2 바우하우스 (Bauhaus)와의 비교: 과학적 분석 vs 감각적 직관
독일의 바우하우스(요하네스 이텐, 발터 그로피우스) 역시 색채를 중요하게 다루었으나, 접근 방식에서 차이가 있었다.7
바우하우스의 분석적 접근: 요하네스 이텐(Johannes Itten)의 색채 교육은 색상환, 보색 대비, 색채의 파장과 같은 과학적이고 분석적인 이론에 기초했다. 이는 색채의 객관적 성질을 규명하려는 시도였다. 또한 바우하우스의 벽지는 산업적 대량 생산과 경제성에 초점을 맞추었다.19
르 코르뷔지에의 감각적/인본주의적 접근: 르 코르뷔지에의 색채론은 보다 화가로서의 직관과 '인간의 반응'에 기반을 두었다. 그는 과학적 이론보다는 자연에서 발견되는 색조(하늘, 흙, 숲)가 인간에게 주는 정서적 안정감과 공간적 효과를 중시했다. 그의 Salubra 컬렉션은 경제성보다는 개인의 심리적 조화와 건축적 위엄을 위한 도구였다.
백색에 대한 태도: 발터 그로피우스(Walter Gropius)는 데사우 시기에 백색과 회색 위주의 기계적 미학을 강조하며 색채를 부차적인 것으로 취급하기도 했다. 반면 르 코르뷔지에는 백색을 중시하면서도, "백색을 보이게 하기 위해 다채색이 필요하다"는 역설적 논리를 통해 전 생애에 걸쳐 풍부한 색채를 건축의 필수 요소로 통합했다.3
5.3 비교 요약 표
구분
르 코르뷔지에 (Polychromie Architecturale)
데 스틸 (De Stijl)
바우하우스 (Bauhaus)
핵심 철학
공간 구축, 인간의 생리적 반응 중시, 건축적 위계 설정
보편적 조화, 공간의 해체와 추상화, 기하학적 엄격성
기능주의, 재료의 본성, 과학적 색채 이론 및 분석
주요 색채
자연색(흙, 하늘) + 조절된 원색 (총 63색 표준화)
원색(빨, 파, 노) + 무채색(흑, 백, 회)으로 엄격히 제한
재료 본연의 색 + 분석적 색상환에 기초한 다양한 색채
공간적 효과
벽의 진출/후퇴를 통한 공간감 조절 (Volume Manipulation)
3차원 볼륨을 2차원 면으로 분해 (Planar Decomposition)
공간의 기능 구획 및 심리적/시각적 명료성 부여
도구/산출물
Salubra 벽지 컬렉션 (개인의 심리적 선택 도구)
슈뢰더 하우스 등 실제 건축물 및 회화 (보편적 양식)
바우하우스 벽지 (산업적 대량 생산 및 보급)
6. 결론: 색채, 건축의 제4차원
르 코르뷔지에에게 색채는 단순한 시각적 유희가 아니라, 공간을 정의하고 인간의 감각을 지휘하는 건축의 '제4차원'이었다. 그는 데 스틸의 급진적인 추상성과 바우하우스의 기계적 기능주의 사이에서, 인간의 생리적 감각과 자연의 질서에 뿌리를 둔 독자적인 '색채 휴머니즘(Color Humanism)'을 구축했다.
1931년과 1959년의 Salubra 컬렉션은 이러한 그의 철학을 체계화하여, 색채가 건축가의 손에서 공간을 확장하고, 축소하며, 은폐하고, 드러내는 강력한 무기가 될 수 있음을 증명했다. 초기 빌라 라 로슈의 은밀한 카무플라주에서부터 후기 유니테 다비타시옹의 폭발하는 원색에 이르기까지, 그의 색채 실험은 "건축은 빛 아래서 입체들이 빚어내는 장엄한 연극"이라는 그의 정의를 완성하는 마지막 퍼즐 조각이었다.
오늘날 현대 건축과 인테리어 디자인에서 르 코르뷔지에의 '건축적 다채색'이 여전히 유효한 표준으로 사랑받는 이유는, 그것이 일시적인 유행을 좇는 색상이 아니라 공간과 인간 사이의 근원적인 관계를 통찰한 결과물이기 때문이다. 그의 색채 이론은 100여 년이 지난 지금도 우리에게 "백색의 벽 앞에 서서 색채를 통해 공간에 생명을 불어넣으라"는 메시지를 던지고 있다.
Color and Architecture: Walter Gropius and the Bauhaus Wall-Painting Workshop in Collaboration, 1922-1926, 2월 10, 2026에 액세스, https://journal.eahn.org/article/id/8308/
21세기 건축사학은 근본적인 인식론적 전환을 맞이하고 있다. 전통적인 건축 역사가 '거장(Master)'과 '명작(Masterpiece)'을 중심으로 한 선형적이고 계보학적인 서술에 의존해왔다면, 디지털 인문학(Digital Humanities, DH)의 부상은 이러한 서사를 해체하고 재구성할 수 있는 강력한 도구를 제공한다. 건축은 본질적으로 복합적인 학문이다. 하나의 건축물이 탄생하기 위해서는 건축가의 창의성뿐만 아니라, 클라이언트의 자본, 시공자의 기술, 법적 규제, 당대의 지배적인 이론적 담론, 그리고 건물이 수행해야 할 사회적 효용(Utility)이 복잡하게 얽혀 있다. 이러한 다차원적인 관계를 텍스트 중심의 선형적 서술로 포착하는 데에는 한계가 따른다.
본 보고서는 "건축 지식 그래프(Architectural Knowledge Graph)"의 구축을 통해 건축 담론, 인물, 이론, 작업, 효용 간의 역동적인 관계를 시각화하고 분석하는 방법론을 심층적으로 탐구한다. 이는 단순한 아카이브의 디지털화를 넘어, 역사적 데이터의 위상학적(Topological) 구조를 드러내는 작업이다. 스탠포드 대학의 '문학 공화국 지도(Mapping the Republic of Letters)'나 MoMA의 '추상 발명(Inventing Abstraction)'과 같은 선구적인 프로젝트들이 예술과 지성사에서 보여준 네트워크 분석의 가능성을 건축 분야로 확장하여, 텍스트와 이미지, 공간 데이터가 결합된 새로운 데이터 모델링을 제안한다.
특히 본 연구는 미셸 푸코(Michel Foucault)의 담론 분석과 브뤼노 라투르(Bruno Latour)의 행위자-연결망 이론(Actor-Network Theory, ANT)을 이론적 토대로 삼아, 건축의 '효용'이 단순한 기능적 요구사항이 아니라 네트워크 내에서 다른 행위자들을 연결하고 변화시키는 능동적인 '행위자(Actant)'임을 규명한다. 나아가 한국을 포함한 동아시아 건축의 맥락에서 나타나는 '압축적 근대화'와 '초국가적 영향 관계'를 분석하기 위한 구체적인 데이터 스키마와 구현 단계를 상세히 기술한다. 이는 건축 이론가, 역사학자, 데이터 과학자들에게 디지털 시대의 새로운 건축 비평 방법론을 제시하는 것을 목적으로 한다.
2. 이론적 배경: 구조주의적 분석과 탈구조주의적 비평의 융합
디지털 시각화 방법론을 수립하기 위해서는 먼저 데이터가 담아낼 '역사'와 '비평'의 본질에 대한 이론적 고찰이 선행되어야 한다. 데이터는 중립적이지 않으며, 어떤 데이터를 노드(Node)와 엣지(Edge)로 정의하느냐에 따라 역사의 해석이 달라지기 때문이다.
2.1 만프레도 타푸리의 '역사적 프로젝트'와 디지털 비평
이탈리아의 건축 역사학자 만프레도 타푸리(Manfredo Tafuri)가 제시한 '역사적 프로젝트(Historical Project)'와 '조작적 비평(Operative Criticism)'의 구분은 디지털 데이터 모델링에 있어 핵심적인 준거틀을 제공한다.1
조작적 비평(Operative Criticism)의 함정: 타푸리는 역사를 현재의 건축적 실천이나 특정 이데올로기를 정당화하기 위한 도구로 사용하는 것을 '조작적 비평'이라 비판했다. 예를 들어, 르네상스 건축의 특정 요소를 현대 모더니즘의 정당성을 입증하기 위해 선별적으로 차용하는 태도이다. 디지털 시각화에서 이는 매우 빈번하게 발생할 수 있는 위험이다. 특정 건축가나 유파를 중심으로 네트워크를 구성하여 그들의 영향력을 과장하거나, 복잡한 역사적 맥락을 단순한 '영향 관계(Influenced by)'로 환원하는 것이 이에 해당한다.3
역사적 프로젝트(The Historical Project): 타푸리가 제안한 '역사적 프로젝트'는 건축을 둘러싼 정치, 경제, 사회적 생산 조건을 총체적으로 분석하는 것이다. 이는 건축가의 의도뿐만 아니라, 그 의도가 좌절되는 과정, 자본과 제도의 압력, 그리고 '위기'와 '단절'의 순간들을 포함한다. 디지털 방법론에서 이를 구현하기 위해서는 성공한 프로젝트뿐만 아니라 '실현되지 않은 계획(Unbuilt Projects)', '실패한 공모전', '비판적 텍스트' 등을 동등한 데이터 노드로 취급해야 한다.4
디지털 네트워크는 타푸리가 추구했던 '탈신비화'를 수행할 수 있는 잠재력을 가진다. '천재 건축가'라는 단일 노드를 해체하여, 그를 둘러싼 수많은 협력자, 엔지니어, 비평가, 그리고 제도적 장치들의 네트워크로 환원함으로써 건축 생산의 집단적이고 사회적인 성격을 드러낼 수 있다.
2.2 푸코의 담론 형성과 지식의 고고학
미셸 푸코(Michel Foucault)의 『지식의 고고학』은 건축 '이론'과 '텍스트'를 데이터화하는 데 있어 중요한 방법론적 기초를 제공한다. 푸코에게 지식은 진리의 점진적 축적이 아니라, 특정 시기에 무엇이 말해질 수 있는지를 규정하는 '담론적 형성(Discursive Formation)'의 규칙들이다.6
진술(Statement)의 데이터화: 푸코의 분석 단위인 '진술'은 디지털 텍스트 마이닝의 기본 단위가 될 수 있다. 예를 들어, 1960년대 한국 건축 담론에서 "전통"이라는 키워드가 "현대화"와 결합되는 빈도와 패턴, 그리고 1990년대에 이르러 "정체성"이나 "글로벌리즘"과 결합되는 패턴의 변화를 추적함으로써 담론의 구조적 변동을 시각화할 수 있다.8
아카이브의 재정의: 푸코는 아카이브를 물리적 문서 저장소가 아니라 '진술이 출현하고 작동하는 규칙의 체계'로 정의했다. 디지털 인문학 프로젝트는 메타데이터(저자, 날짜, 출판사, 인용 관계)를 통해 이 규칙의 체계를 구조화한다. 스탠포드 대학의 '문학 공화국 지도' 프로젝트가 볼테르나 로크의 편지 내용을 넘어서 편지의 유통 경로와 빈도를 통해 계몽주의의 지형도를 그려낸 것은 푸코적 아카이브 분석의 디지털적 구현이라 할 수 있다.9
2.3 라투르의 행위자-연결망 이론(ANT)과 비인간 행위자
브뤼노 라투르(Bruno Latour)의 행위자-연결망 이론(ANT)은 건축의 '작업(Work)'과 '효용(Utility)'을 네트워크에 통합하는 데 결정적인 이론적 도구를 제공한다. ANT는 사회를 인간들만의 관계가 아니라, 인간과 비인간(Non-human) 사물들이 맺는 이질적인 연결망으로 파악한다.11
대칭성(Symmetry) 원칙: 건축 네트워크에서 '건축가(인간)'와 '콘크리트(재료)', '법규(제도)', 'CAD 소프트웨어(도구)'는 분석적으로 동등한 행위자(Actant)로 취급된다. 예를 들어, 자하 하디드의 초기 비정형 디자인이 실현될 수 있었던 것은 그녀의 천재성뿐만 아니라 'CATIA'라는 항공우주 소프트웨어, 그리고 복잡한 형상을 시공할 수 있는 'CNC 밀링' 기술이 네트워크에 결합되었기 때문이다.
변역(Translation): 건축은 아이디어가 도면으로, 도면이 시방서로, 시방서가 건물로 변환되는 긴 '변역'의 사슬이다. 디지털 시각화는 이 변역의 과정을 추적해야 한다. '효용' 역시 고정된 속성이 아니라 네트워크 내에서 번역되는 과정이다. 1920년대의 '기능(Function)'이 기계적 효율성을 의미했다면, 현대의 '지속가능성(Sustainability)'이라는 효용은 에너지 효율 등급, 탄소 발자국 데이터, 친환경 자재 등의 비인간 행위자들과 연결되며 그 의미가 재구성된다.13
2.4 데카르트적 시각화 대 위상학적 시각화
전통적인 건축 비평은 종종 '데카르트적(Cartesian)' 사고에 기반한다. 이는 명확한 분류, 이분법적 대립(형태 대 기능, 구조 대 장식), 그리고 시각 중심주의를 특징으로 한다. 반면, 팔라스마(Juhani Pallasmaa)와 같은 현상학적 비평가들은 이러한 데카르트적 시각이 건축의 다감각적이고 체험적인 본질을 소외시킨다고 비판해왔다.15
디지털 네트워크 시각화는 본질적으로 '반(反)데카르트적'이거나 '비(非)유클리드적'인 특성을 가진다. 네트워크 그래프에서 두 노드 사이의 거리는 물리적 거리가 아니라 관계의 강도(Topology)에 의해 결정된다. 이는 들뢰즈와 가타리가 말한 '리좀(Rhizome)' 구조와 유사하며, 중심과 주변이 없고, 언제든 새로운 연결이 생성될 수 있는 개방형 시스템이다. 이러한 구조는 특히 서구 중심의 선형적 발전 모델로는 설명하기 힘든 동아시아의 '압축적 근대화'나 혼종적인 건축 양상을 분석하는 데 매우 적합하다.17
3. 선행 프로젝트 사례 심층 분석: 방법론의 벤치마킹
본 연구를 위한 방법론적 통찰을 얻기 위해, 디지털 인문학 및 예술사 분야의 주요 선행 프로젝트들을 심층 분석한다.
3.1 스탠포드 대학: 문학 공화국 지도 (Mapping the Republic of Letters)
이 프로젝트는 1500년부터 1800년 사이 계몽주의 지식인들의 서신 교환 네트워크를 시각화한 기념비적인 연구이다.9
데이터 구조: 서신의 내용(Content)보다는 메타데이터(발신자, 수신자, 날짜, 발신지, 수신지)에 집중했다. 이는 텍스트의 '의미'를 해석하는 전통적 방식에서 벗어나, 지식의 '유통'과 '관계'를 측정하는 방식으로 전환했음을 의미한다.
시각화 도구: 프로젝트 팀은 Palladio라는 자체 도구를 개발하여, 복잡한 역사적 데이터를 지도(Map)와 네트워크(Graph), 시계열(Timeline)로 동시에 시각화할 수 있게 했다.
건축학적 함의: 건축 역시 '도면'과 '저널'이라는 매체를 통해 국경을 넘어 유통된다. 예를 들어, 1970년대 김수근의 '공간(SPACE)' 사옥이 한국 건축계의 허브가 되었던 현상이나, 르 꼬르뷔지에의 '신건축을 향하여'가 일본과 한국의 건축가들에게 전파된 경로를 이와 유사한 방식으로 시각화할 수 있다. 이는 '영향력'이라는 추상적인 개념을 구체적인 '전파 경로'로 데이터화하는 모델을 제시한다.19
뉴욕 현대미술관(MoMA)의 이 전시는 추상 미술의 탄생이 고립된 천재들의 작업이 아니라, 84명의 예술가들 간의 긴밀한 사회적 네트워크의 산물임을 보여주었다.21
네트워크 정의: 큐레이터들은 "당신은 이 사람을 아는가?"라는 질문을 넘어, 구체적인 증거(함께 전시함, 편지를 주고받음, 같은 잡지에 기고함)를 바탕으로 엣지(Edge)를 생성했다.
시각화 결과: 칸딘스키(Kandinsky)와 같은 인물이 네트워크의 중심(Hub)에 위치함이 드러났고, 알프레드 바(Alfred Barr)의 유명한 1936년 다이어그램(순서도 형식)을 현대적인 네트워크 그래프로 재해석했다.
비판 및 교훈: 이 그래프는 모든 관계를 동일한 두께의 선으로 표현함으로써 관계의 '질'과 '강도'를 평면화했다는 비판을 받았다. 건축 지식 그래프를 구축할 때는 단순한 연결 유무를 넘어, 관계의 성격(스승-제자, 고용-피고용, 비판-방어)과 강도(가중치)를 명확히 구분하는 스키마가 필요하다.23
3.3 동아시아 및 건축 특화 프로젝트
Repertorium Academicum Germanicum (RAG): 중세 독일 학자들의 생애와 이동 경로를 데이터베이스화하여 지식인의 사회적 네트워크를 복원한 프로젝트이다. 이는 인명 사전과 연대기를 기반으로 건축가의 생애 주기와 활동 반경을 시각화하는 데 참고가 된다.25
TLCMap (Time-Layered Cultural Map): 호주 인문학계에서 사용되는 시공간 매핑 도구로, 시간의 흐름에 따른 문화유산의 변화를 추적한다. 건축물의 생애주기(설계-시공-증축-철거)를 시각화하는 데 유용한 참조 모델이다.26
온톨로지 기반 3D 재구성(OntoHistArch): 건축 역사 연구와 3D 모델링을 결합하려는 시도로, 건물의 물리적 형상뿐만 아니라 그에 대한 역사적 해석과 불확실성까지 메타데이터로 기술하려는 노력이 진행되고 있다.27
4. 데이터 구조 설계 및 온톨로지 구축
성공적인 시각화를 위해서는 데이터를 담을 그릇, 즉 온톨로지(Ontology)와 스키마(Schema)를 정교하게 설계해야 한다. 본 연구는 문화유산 데이터의 국제 표준인 **CIDOC CRM (ISO 21127)**을 기반으로 하되, 건축 담론의 특수성을 반영한 확장 모델을 제안한다.29
4.1 핵심 엔티티 (Nodes) 정의
네트워크의 결절점이 될 주요 엔티티는 다음과 같이 정의한다.
엔티티 클래스 (Entity)
CIDOC 매핑
설명 및 예시 (한국/동아시아 맥락)
인물 (Actor)
E39 Actor
건축가, 비평가, 이론가, 클라이언트, 엔지니어 등.
예: 김수근, 김중업, 이소자키 아라타, 배형민
작업 (Work)
E22 Man-Made Object
실현된 건물, 계획안(Unbuilt), 파빌리온, 도시 계획.
예: 세운상가, 공간사옥, 나카긴 캡슐 타워
텍스트 (Text)
E73 Information Object
저널 기사, 단행본, 선언문, 도면, 심포지엄 자료.
예: 월간 『공간(SPACE)』, 『신건축』, 대한건축학회논문집(JAIK)
개념/이론 (Concept)
E28 Conceptual Object
건축 이론, 양식, "주의(-ism)", 설계 방법론.
예: 메타볼리즘, 비판적 지역주의, 한국성, 네거티브리즘
이벤트 (Event)
E5 Event
전시회, 공모전, 학술대회, 그룹 결성.
예: 4.3 그룹 결성, 2014 베니스 비엔날레 한국관 전시
장소 (Place)
E53 Place
작업의 위치, 인물의 활동 거점, 학교 소재지.
예: 서울, 도쿄, 르 꼬르뷔지에 아틀리에(파리)
효용 (Utility)
E55 Type (확장)
건물의 프로그램, 사회적 기능, 성능 목표.
예: 집합주거, 도시 재생, 친환경 인증, 재난 방재
4.2 관계 서술어 (Edges) 설계
단순한 연결을 넘어 의미론적 관계를 명시하기 위해 방향성과 속성을 가진 엣지를 정의한다. 이는 그래프 데이터베이스(예: Neo4j)에서 '관계 유형(Relationship Type)'으로 구현된다.31
생산 관계 (Production):
(:인물)-->(:작업)
(:인물)-->(:텍스트)
(:인물)-->(:그룹/저널)
지적 계보 (Intellectual Lineage):
(:인물)-->(:인물) (스승-제자 관계, 예: 김수근 -> 승효상)
(:인물)-->(:인물) (영향 관계)
(:인물)-->(:장소/학교) (예: 서울대 -> 미네소타 대학 연수)
담론적 행위 (Discursive Action):
(:텍스트)-->(:작업/이론) (비판)
(:텍스트)-->(:개념) (개념 도입)
(:개념)-->(:개념) (대립 관계, 예: 모더니즘 <-> 포스트모더니즘)
효용의 연결 (Utility Linkage):
(:작업)-->(:효용) (기능 수행)
(:이론)-->(:효용) (특정 효용 옹호, 예: 기능주의 -> 효율성)
(:효용)-->(:효용) (효용 개념의 변화, 예: 위생 -> 웰빙)
4.3 '효용(Utility)'의 데이터 모델링 전략
사용자가 특별히 요청한 '효용'은 건축에서 추상적이고 다의적인 개념이다. 이를 데이터화하기 위해 세 가지 층위로 접근한다.
프로그램적 효용: 가장 기초적인 층위로, 건물의 용도(주거, 업무, 문화)를 의미한다. 이를 통해 "1970년대 한국에서 주거(효용) 프로젝트에 주로 적용된 이론은 무엇인가?"와 같은 질문에 답할 수 있다.33
사회적/담론적 효용: 건축가가 주장하는 효용이다. 예를 들어, 아파트 단지는 '근대화의 상징'이자 '위생적인 삶'이라는 효용으로 포장되었다. 텍스트 마이닝을 통해 "위생", "효율", "커뮤니티"와 같은 키워드를 추출하여 효용 노드로 설정한다.
성능적 효용 (ANT 관점): 현대 건축에서 효용은 에너지 효율, 탄소 배출량 등 정량적 데이터로 나타난다. BEMS(Building Energy Management System) 데이터나 친환경 인증 등급을 속성값으로 포함시켜, 이론적 담론과 실제 성능 간의 괴리를 시각화할 수 있다.
5. 구현 단계: '빌드 오더(Build Order)'
이론과 설계를 실제 시스템으로 구현하기 위한 단계별 로드맵이다. 게임 전략 용어인 '빌드 오더'를 차용하여 순차적이고 체계적인 접근을 강조한다.34
1단계: 범위 설정 및 코퍼스 구축 (개월 1-3)
목표: 분석 대상이 되는 "담론의 우주"를 정의한다.
작업:
핵심 저널 선정: 한국의 『공간(SPACE)』(1966~현재), 『건축(JAIK)』, 일본의 『신건축(Shinkenchiku)』, 『JA』 등 동아시아 주요 저널의 디지털 아카이브 확보.35
주요 인물 리스트 작성: 프리츠커상 수상자, KIA(한국건축가협회) 수상자, 주요 대학 교수진 등 약 100~200명의 핵심 액터 선정.
도구: Zotero (서지 관리), Tropy (이미지 자료 관리).
2단계: 데이터 추출 및 정제 (개월 4-9)
목표: 비정형 텍스트(논문, 기사)를 정형 데이터(그래프)로 변환한다.
작업:
OCR 및 텍스트화: 스캔된 PDF를 텍스트 데이터로 변환.
개체명 인식 (NER): Python 라이브러리(spaCy, HuggingFace 등)를 활용하여 텍스트에서 인물, 건물명, 장소, 이론 용어를 자동 추출한다. 건축 도메인에 특화된 사용자 사전(Dictionary) 구축이 필수적이다.37
관계 추출: "A는 B를 비판했다", "C는 D를 설계했다"와 같은 서술어 패턴을 학습시켜 엣지를 생성한다.
인간 검증 (Human-in-the-Loop): 자동 추출된 데이터의 오류를 건축사 전공자들이 검수한다. 특히 '영향을 받았다'와 같은 모호한 관계를 명확히 정의(직접 사사, 단순 인용 등)하는 과정이 필요하다.
3단계: 지식 그래프 저장소 구축 (개월 10-12)
목표: 데이터를 쿼리 가능한 형태로 저장한다.
기술 스택: Neo4j가 가장 적합하다. 속성 그래프(Property Graph) 모델을 지원하여 엣지에 다양한 속성(날짜, 출처, 가중치)을 부여하기 용이하기 때문이다.39
데이터 주입: CSV나 JSON 형태로 정제된 데이터를 Cypher 쿼리를 통해 Neo4j에 로드한다.
엔티티 해결 (Entity Resolution): "김수근", "Kim Swoo-geun", "S.G. Kim" 등 동일 인물의 다양한 표기를 하나의 노드로 통합한다.
4단계: 네트워크 분석 및 시각화 (개월 13-16)
목표: 데이터에서 유의미한 패턴을 발견하고 시각화한다.
분석 지표:
매개 중심성 (Betweenness Centrality): 서로 다른 그룹(예: 학계와 실무계, 한국과 일본)을 연결하는 '브로커' 인물을 식별한다. 잡지 편집장이나 큐레이터가 종종 높은 값을 가진다.
커뮤니티 탐지 (Community Detection): Louvain 알고리즘 등을 사용하여 담론의 '파벌'이나 '학파'를 자동으로 분류한다.
시각화 도구:
Gephi: 대규모 네트워크의 구조적 분석과 고품질 정적 이미지 생성에 탁월하다.39
D3.js / Cytoscape.js: 웹 기반의 인터랙티브 시각화를 구현하여 사용자가 직접 노드를 클릭하고 탐색할 수 있게 한다.41
6. 동아시아 건축 담론의 특수성과 적용 사례
본 방법론을 동아시아, 특히 한국과 일본의 건축 상황에 적용할 때 고려해야 할 특수성과 기대되는 통찰은 다음과 같다.
6.1 '압축적 근대화'와 비선형적 계보
한국의 근대화는 식민 지배, 전쟁, 급속한 경제 성장이 중첩된 '압축적'이고 '단절적'인 과정을 겪었다. 배형민(Pai Hyungmin) 교수가 지적하듯, 이는 서구의 순차적인 발전 모델과는 다른 양상을 보인다.43
시각화 전략: 네트워크 그래프에서 시간축을 압축하거나 중첩시켜, 서로 다른 시대의 양식이나 이론(예: 전근대적 장인 정신과 포스트모던한 해체주의)이 동시대에 공존하며 경쟁하는 '비동시성의 동시성'을 시각화해야 한다.
단절의 표현: 6.25 전쟁이나 식민지 시기의 단절을 그래프 상의 '구조적 공백(Structural Hole)'으로 표현하거나, 그 공백을 메우는 소수의 연결자(예: 일본 유학파 건축가)들의 역할을 부각할 수 있다.
6.2 초국가적 네트워크와 '미네소타 프로젝트'
한국 현대 건축의 형성과정에서 미국의 영향은 결정적이었다. 전후 서울대학교 공대 교수진이 미국 미네소타 대학으로 연수를 다녀온 '미네소타 프로젝트'는 한국 건축 교육에 미국의 공학적 합리주의와 기능주의를 이식한 핵심적인 '엣지(Edge)'이다.45
데이터 모델링: (:인물)-->(:이벤트 "미네소타 프로젝트") 관계를 통해, 이 프로젝트가 한국의 학제와 실무에 미친 영향을 네트워크 확산 모델로 시뮬레이션할 수 있다. 이를 통해 한국 건축의 '효용' 개념이 어떻게 공학적 효율성 중심으로 형성되었는지 계보를 추적할 수 있다.
6.3 저널과 아틀리에: 담론의 허브
일본의 '탄게 겐조 연구실(Tange Lab)'이나 한국의 '공간(SPACE) 그룹', '4.3 그룹'은 단순한 조직을 넘어 담론 생산의 허브 역할을 했다.46
허브 분석: 탄게 겐조를 중심 노드로 놓고 이소자키 아라타, 구로카와 기쇼, 마키 후미히코 등으로 뻗어 나가는 방사형 네트워크는 '메타볼리즘'이라는 이론이 어떻게 형성되고 분화되었는지 보여준다. 한국의 경우, 김수근과 『공간』지를 중심으로 예술가, 문인, 건축가가 얽힌 학제간 네트워크를 시각화함으로써 건축이 문화 전반에 미친 영향을 규명할 수 있다.
6.4 주거 유형과 '아파트' 담론
한국 건축에서 '아파트(Danji)'는 가장 강력한 효용의 대상이자 비판의 대상이다.
효용의 변화 추적: 1960-70년대에는 '조국 근대화'와 '생활 혁명'이라는 키워드(노드)가 아파트와 연결되었다면, 1990년대 이후에는 '자산 가치', '획일성 비판', '커뮤니티 부재' 등의 키워드로 연결망이 재편된다.33 이러한 키워드 네트워크의 시계열적 변화를 통해 '아파트'라는 건축 유형의 사회적 위상 변화를 실증적으로 보여줄 수 있다.
7. 결론: 데이터로 그리는 건축의 지형도
본 연구에서 제안한 디지털 인문학적 방법론은 건축사를 텍스트의 나열이 아닌, 관계의 총체로 재구성하는 시도이다. 타푸리의 비판적 역사 인식과 라투르의 네트워크 이론을 그래프 데이터베이스 기술과 결합함으로써, 우리는 다음과 같은 성과를 기대할 수 있다.
가시화되지 않았던 연결의 발견: 거장 중심의 역사에서 배제되었던 엔지니어, 관료, 비평가, 그리고 '효용'과 같은 비인간 행위자들의 역할을 복원할 수 있다.
동아시아 건축의 독자적 근대성 규명: 서구 중심의 이론 틀로는 설명하기 어려운 한국과 동아시아의 압축적이고 혼종적인 건축 발전 과정을 데이터 구조 그 자체로 입증할 수 있다.
실천적 도구로서의 역사: 구축된 지식 그래프는 연구자뿐만 아니라 실무 건축가들에게도 유용한 '레퍼런스 엔진'이 될 수 있다. 과거의 건축가들이 특정 '효용'의 문제를 어떤 '이론'과 '형태'로 해결했는지 검색하고 탐색함으로써, 역사를 현재의 창작을 위한 능동적인 자원으로 활용할 수 있게 된다.
이 프로젝트는 단순히 과거를 기록하는 것을 넘어, 데이터의 연결을 통해 건축의 새로운 의미를 생성하는 미래지향적인 '디지털 아카이브'의 모델이 될 것이다.
부록: 그래프 데이터베이스 스키마 예시 (Cypher Query Style)
Cypher
// 노드 생성 예시: 건축가 김수근 CREATE (a:Architect {name: "Kim Swoo-geun", birth: 1931, death: 1986, nationality: "Korea"}) // 노드 생성 예시: 작업 세운상가 CREATE (w:Work {title: "Sewoon Sangga", year_completed: 1968, location: "Seoul"}) // 노드 생성 예시: 이론 메가스트럭처 CREATE (c:Concept {term: "Megastructure", origin: "Global/Japan"}) // 관계 생성: 설계 CREATE (a)-->(w) // 관계 생성: 이론적 영향 (효용의 연결) CREATE (w)-->(c) // 세운상가는 메가스트럭처 이론의 '도시적 효율성'과 '복합 용도'라는 효용을 구현함 // 관계 생성: 담론적 비판 CREATE (t:Text {title: "Mega-City and its Shadows"})-->(w)
위와 같은 정형화된 데이터 스키마는 향후 AI 기반의 건축 분석이나 시맨틱 웹(Semantic Web)과의 연동을 위한 기초 자산이 될 것이다.
Manfredo Tafuri's notion of history and its methodological sources : from Walter Benjamin to Roland Barthes - DSpace@MIT, 2월 8, 2026에 액세스, https://dspace.mit.edu/handle/1721.1/13110
Experiments of Network Literacy for Urban Designers: Bridging Information Design and Spatial Morphology - MDPI, 2월 8, 2026에 액세스, https://www.mdpi.com/2073-445X/14/9/1901
